Arquitecturas Cerámicas

Un año más, el Concurso Cerámico de Regeneración Urbana nace con la voluntad de seleccionar propuestas urbanísticas que regeneren espacios urbanos con el material cerámico como protagonista. La Diputación de Castellón, junto con la Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos (ASCER) unen esfuerzos para promover esta convocatoria.

En esta edición, cuenta con la contribución de la reconocida trayectoria de Eva Álvarez como presidenta del concurso, así como del arquitecto Pau Batalla como presidente del jurado. El plazo para entregar las propuestas finaliza el 26 de mayo tanto para la convocatoria ordinaria como la dirigida a estudiantes CRU(E).

Con un total de 44 municipios participantes de la provincia de Castellón, el concurso se presenta como una apuesta decidida por mejorar las áreas degradadas. Su transformación en espacios públicos más habitables, accesibles, respetuosos con el entorno tienen como objetivo mejorar la calidad de la vida de las personas. Al fin y al cabo, son los habitantes quienes deben ocupar la parte central en los proyectos.

El célebre ceramista Jacques Kaufmann presentó su exposición «Mur/Murs» en los jardines del Museo Ariana, en Ginebra, Suiza. Desde el 17 de mayo hasta el 10 de noviembre de 2019, los visitantes pudieron sumergirse en esta fascinante muestra de arquitectura cerámica. Kaufmann, reconocido por sus imponentes obras arquitectónicas, exploró el tema del muro como un símbolo multifacético de conexión y exclusión en nuestra sociedad.

La exposición se dividió en dos fases distintas. La primera, iniciada el 17 de mayo, presentó cinco instalaciones monumentales y efímeras en los terrenos del museo, principalmente construidas con ladrillos. Estas creaciones desafiaron la concepción convencional del muro y su función en el entorno contemporáneo, incluyendo obras como «Flight of the fly, 2» y «Filigree», que ofrecían perspectivas únicas sobre la relación entre el muro y su entorno.

La segunda fase, que comenzó el 2 de julio, se trasladó al sótano del museo, donde Kaufmann presentó sus obras más recientes. Aquí, el artista continuó explorando la diversidad del ladrillo como material artístico. A través de esta fase, los visitantes tuvieron la oportunidad de reflexionar sobre la importancia cultural y simbólica de los muros en nuestra sociedad contemporánea, mientras se maravillaban con las innovadoras creaciones de Jacques Kaufmann.

“La cerámica es uno de los oficios más antiguos de la artesanía, una de las primeras artes, tan Antigua que no se sabe su origen”. The Pottery Maker es uno de los dos cortometrajes dirigidos por el cineasta Robert J. Flaherty tras la finalización de su segundo largometraje Moana en 1925.

En “The Pottery Maker”, una mujer y su nieta visitan un taller de alfarería para comprar una nueva jarra. Fascinada por esta artesanía milenaria, la joven observa con detención todos los pasos del alfarero para llevar a cabo su trabajo. Amasar la arcilla húmeda para sacar las burbujas de aire. Ponerla en el torno. Añadir agua constantemente. Trabajar la arcilla arriba y abajo para establecer una armonía con la rueda giratoria. Una vez terminado esto, se encenderán fuegos en la parte inferior del horno, que deberán mantenerse encendidos día y noche hasta que la pieza esté cocida y lista para su uso.

Producido por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y patrocinado por la actriz y admiradora de Flaherty Maude Adams en 1926, el cortometraje se rodó en el sótano del museo, con la participación del alfarero Victor Raffo, su hija Ruth y Elizabeth Custer.

One Eagle Place, en Piccadilly, forma parte de uno de los encargos más representativos llevados a cabo por el reputado escultor Richard Deacon. La icónica cornisa, encargada por Eric Parry Architects, establece un diálogo entre arquitectura y arte en pleno centro londinense. Se trataba de sustituir y reformar los edificios existentes en dos zonas protegidas (Regent Street y St James’s) con fachadas nuevas y conservadas.

La cornisa y los marcos de las ventanas se fabricaron en loza, un acabado vidriado. Se trata de una técnica muy utilizada en los edificios Art Déco y que aún puede verse en el interior y el exterior de muchas estaciones del metro de Londres. La técnica consistió en mezclar arcilla de distintos colores de manera que los colores originales permanecieran, pero se entremezclaran entre sí. De lo contrario, una forma más líquida en la que se mezclan varios colores al azar suele acabar en un desastre.

Esto dio como resultado una icónica cornisa a partir de piezas cerámicas formadas por 30 colores diferentes que producen 299 variaciones. Aunque Deacon describió el diseño de la cornisa como un «feliz accidente», era exactamente lo que se necesitaba para el proyecto y fue aceptado con entusiasmo por el equipo de Eric Parry Architects.

La firma Yi Design ha desarrollado un ladrillo poroso fabricado con residuos cerámicos reciclados que podría utilizarse para evitar inundaciones en zonas urbanas. El ladrillo permeable está fabricado con un 90% de residuos cerámicos reciclados procedentes de fabricantes industriales de porcelana de la ciudad de Jingdezhen. Según Cheng, cofundador de la empresa, «este ladrillo puede recoger el agua de lluvia, redirigiéndola desde el sistema de alcantarillado a la capa freática por permeación a través del suelo».

Según la YiDesign, China produce unos 18 millones de toneladas de residuos cerámicos al año, la mayoría de los cuales se vierten o entierran ilegalmente. La empresa recogió residuos de productores locales seleccionados, los trituró y los aglutinó con un aglutinante químico no orgánico especialmente desarrollado.

El YiBrick permeable utiliza hasta un 97% de residuos reciclados en su producción, lo que hace que el producto sea muy poroso y robusto. Como resultado, los bloques de construcción pueden utilizarse como una alternativa más absorbente a los ladrillos de cemento convencionales en diversos contextos arquitectónicos. El material resultante se utiliza para crear una serie de productos duraderos, como ladrillos y baldosas vidriadas, en la propia fábrica de la empresa en Jingdezhen, creada en 2021.

La Feria Internacional de Cerámica, Baño y Cocina volverá a convertir a Valencia en la capital mundial de la arquitectura del 26 de febrero al 1 de marzo. En esta ocasión, con motivo de la celebración de su 40 aniversario, CEVISAMA24 está desarrollando actividades de gran interés. Así, no sólo reunirá la más amplia oferta de productos cerámicos, sino que también contará con sus tradicionales conferencias a cargo de los máximos exponentes de la cerámica en la arquitectura.

CEVISAMA Lab 2024, ha conseguido reunir a ponentes de reconocido prestigio en el Foro Arquitectura, programado del 27 al 29 de febrero en Feria Valencia. Es el caso de Fuensanta Nieto, que intervendrá durante la primera jornada para detallar la obra del estudio que comparte con Enrique Sobejano. Seguidamente, será Max Arrocet quien tome la palabra como integrante del estudio londinense AL_A, liderado por Amanda Levete. Por último, el confundador del reconocido estudio alemán Sauerbruch Hutton, Matthias Sauerbruch, concluirá el ciclo de conferencias del martes 27 de febrero.

El Foro Arquitectura, sin embargo, continua las dos jornadas siguientes. Néstor Montenegro intervendrá el miércoles 28 de febrero para compartir su experiencia como fundador del joven proyecto Extudio. Por su parte, José María Sánchez, profesor de proyectos en la ETSAM, concluirá el cartel de conferencias el jueves 29 de febrero.

Encargada recientemente por el Museo Gardiner, Up To and Including Their Limits se estrena en un momento de creciente visibilidad de las personas trans. Sin embargo, como consecuencia de esta mayor exposición, también coincide con un aumento de la violencia contra ellas y con el cuestionamiento de sus derechos. En esta provocativa performance, los espectadores se enfrenten a esta tensión llevando su cuerpo al límite mientras el público observa en directo.

Suspendido de un arnés en una caja de plexiglás con las paredes cubiertas de gruesa arcilla cruda, Cassils se lanza de un lado a otro. Arañando las paredes y arrojando trozos de arcilla al suelo, va creando «ventanas» a través de las cuales el público puede ver la acción performativa. Se trata de un homenaje a Carolee Schneemann, icono feminista, utilizando arcilla para reimaginar su homónima performance (1971-76) desde una perspectiva trans no binaria. A medida que retiran franjas de arcilla, el artista  problematiza y complica la mirada del público mediante la ingeniería del voyeurismo en la propia obra.

Según Sequoia Miller, la comisaria de la exposición, «El uso que Cassils hace de la arcilla para dar forma a nuestra comprensión del cuerpo no binario ha transformado nuestra percepción tanto del material como de la identidad trans. La obra de Cassils tiene el poder de replantear la forma en que nos entendemos a nosotros mismos y nuestras relaciones con los demás, en parte a través del medio de la arcilla cruda».

La estación de metro Toledo, diseñada por el arquitecto Óscar Tusquets utiliza el material cerámico para materializar la idea motriz que configura su arquitectura. El refinado trabajo en mosaico en su interior crea un ambiente luminoso que recuerda la identidad mediterránea de Nápoles. A su vez, la instalación evidencia su condición subterránea, comúnmente ignorada en este tipo de obras.

Así, las partes sobre el nivel del mar parecen excavadas en la roca, mientras que los niveles inferiores parecen hundidos en el mar. Para llevarlo a cabo, el artista multidisciplinar William Kentridge realizó dos murales en mosaico pétreo, de carácter tosco y antiguo. Sin embargo, en las zonas «acuáticas», fue Bob Wilson quien instaló, una frente a otra, dos vistas enormemente largas de la orilla del mar.

Wilson también desempeñó un papel fundamental en la iluminación del cráter, creando un programa para coordinar color e intensidad a lo largo del tiempo.
De esta manera, a través del gran cráter, la luz natural penetra en la entreplanta a través de tres claraboyas que iluminan el interior al tiempo que permiten a los transeúntes vislumbrar el muro aragonés y el mural de Kentridge.

El veredicto de los Premios Cerámica 2023 tuvo lugar el pasado 10 de noviembre, con la prestigiosa arquitecta Carme Pinós como presidenta del jurado. Jesús Olivares, Inma Bermúdez, Gracia Cardona y Susana Babiloni aportaron su granito de arena como portavoces del jurado reunido en Castellón.

En esta ocasión, Ripoll·Tizón fue premiado por su proyecto Casa en Puntiró, en Mallorca. Según el jurado, se trata de un proyecto muy unitario en el que los materiales y la resolución arquitectónica se ensamblan de forma coherente. La materialidad, la estructura y la solución arquitectónica está muy equilibrada y es destacable que se haya trabajado al mismo tiempo y desde el origen. Destaca la habilidad de los autores en la selección de materiales y detalles constructivos.

Por otro lado, el proyecto ganador en los Premios Cerámica 2023 ha sido Casa Isabel la Católica. Dibujando a José Mª García de Paredes de GRX Arquitectos. Del proyecto, el jurado destaca que el uso de una pieza atemporal y estándar de 10x10cm articula todo el programa de la vivienda, adaptándose a la plasticidad de la misma. El mismo material genera movimiento y tiene la versatilidad de adaptarse a todo tipo de superficies, incluso las curvas.

Una selección de reflexiones sobre el material cerámico vuelven a publicarse en forma de libro en este quinto volumen de la colección de ensayos coordinada por la Cátedra Cerámica Madrid. Diferentes arquitectos se aproximan a la cerámica desde múltiples puntos de vista, potenciando la profundización por parte del alumno de arquitectura y de sus profesores, en el conocimiento de este material secular

Toni Gironès, autor del ensayo «Procesos de intercambio: el material desde su condición», realiza un barrido histórico sobre la creación y utilización de la cerámica en la arquitectura para abordar finalmente la relación de este material en sus propios proyectos. Junya Ishigami, por su parte, habla en su entrevista de sus inquietudes sobre el papel que desempeña la cerámica, considerando que se pudiera utilizar como elemento principal en la arquitectura. Un tercer ensayo a cargo de Pablo Castro revela la utilización de la cerámica coloreada como herramienta didáctica en su proyecto Colegio Primario de los Tres Ríos, ubicado al este de la ciudad de Pekín.

Por último, Paulo R. Liñan Figueiredo aporta el ensayo «Diálogo en el tiempo. Scarpa y la herencia luminiscente». El autor aborda la mirada específica de las soluciones cerámicas perpetradas por el arquitecto veneciano, que permite entender el peso de una tradición, como proceso de decantación de futuro dentro de la riqueza del pasado.

Elaborado por la Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos, este didáctico y esclarecedor documental muestra de manera detallada el proceso de producción de baldosas cerámicas.

El vídeo realiza un recorrido por las diferentes fases de producción partiendo de la congeneración, un proceso de tecnología punta que confecciona el polvo atomizado con el que posteriormente se llevará a cabo el conformado y prensado de las piezas. Una vez adquirida su forma definitiva, estas se introducen en un secadero para reducir su humedad y aumentar su resistencia mecánica.

A continuación, y con ayuda de la impresión digital, las baldosas se recubren de una o varias capas de esmalte, tratamiento que confiere a su superficie una serie de propiedades técnicas y estéticas como brillo, color e impermeabilidad.

Es en este punto del proceso cuando las piezas se introducen en un horno continuo donde son sometidas a un ciclo térmico a elevadas temperaturas, obteniendo diferentes productos según la composición, la curva de temperatura y la duración del ciclo. Esto provoca una modificación fundamental en sus propiedades, dando lugar a un material duro de excelentes prestaciones.

Por último, el proceso concluye con tratamientos adicionales, tales como el pre-corte, los pulidos superficiales o el rectificado y biselado. El resultado es un producto perfectamente controlado en cuanto a su regularidad dimensional, aspecto superficial y características mecánicas y químicas.

Durante los últimos cinco años, la célebre artista portuguesa Joana Vasconcelos ha estado preparando un pabellón escultórico de 12 metros de altura en la campiña británica. Su tarta nupcial de tres pisos es un encargo de la Fundación Rothschild para la finca de Waddesdon (un castillo de estilo renacentista francés propiedad del National Trust y gestionado por la Fundación Rothschild).

En parte escultura y en parte locura arquitectónica de jardín, Wedding Cake es una escultura extraordinaria, gigantesca y totalmente inmersiva que fusiona pastelería, diseño y arquitectura. Se trata de una tarta de azulejos que brilla con un glaseado de rosas, verdes y azules pálidos por dentro y por fuera, adornado con ornamentos escultóricos y que cuenta con el sonido del agua y un sistema de iluminación específico.

“Quería que la gente tuviera tres enfoques diferentes: mirar desde fuera, disfrutar del entorno desde los diferentes niveles o balcones y subir a la cima, para finalmente completar la obra de arte con su presencia», afirma Vasconcelos.

Y este empeño es emblemático de la práctica de Vasconcelos. Sus materiales reflejan la multitud de influencias internacionales que ha recibido la cultura portuguesa a lo largo de los siglos, nacidas de una historia de exploración y navegación, de la cerámica china y japonesa y del carnaval brasileño, incorporando el color y la luz. De hecho, para este proyecto, las cerámicas fueron elaboradas por la fábrica Viúva Lamego, que lleva más de 170 años funcionando en Sintra (Portugal).

La historia de esta famosa casa de cerámica comenzó en 1759, cuando su fundador, Josiah Wedgwood I, con sólo 29 años, empezó como alfarero independiente en Burslem, Inglaterra. Su espíritu vanguardista, su enérgica política de diseño y su compromiso con unos exigentes niveles de calidad son valores que siguen estando en el corazón de las piezas que se fabrican hoy en día.

Muchas de las técnicas de las que fue pionero Josiah Wedgwood siguen siendo utilizadas hoy en día por los artesanos de Barlaston (Inglaterra). Desde 1940, la fábrica combina la tecnología moderna con las antiguas técnicas de vaciado, modelado y decoración. Utilizando materiales únicos, Jasper, Queen’s Ware luminiscente y porcelana fina, Wedgwood continúa la tradición de bellas obras de arte hechas a mano, con respeto por el pasado y la vista puesta en el futuro.

En el siguiente documental, rodado por la British Pathé en 1958, se muestran diferentes procesos de conformado así como el trabajo que los artesanos desarrollaban en la fábrica de Wedgwood a diario: artistas en sus mesas de dibujo, alfareros trabajando el torno, ornamentadores fijando las diferentes partes a las piezas cerámicas… Se trata de un documento histórico único que nos permite conocer de cerca la labor de esta mítica casa de cerámica mundialmente reconocida.

El arquitecto ghanés-británico Sir David Adjaye ha terminado los espacios públicos para afiliados de la nueva sede en Nueva York del sindicato 1199SEIU United Healthcare Workers East, el mayor sindicato sanitario de Estados Unidos. El mural de Anton Refregier que ornamentaba el edificio original de SEIU, se conmemora con una réplica en el vestíbulo de entrada. En él, se representan momentos importantes que muestran los hitos de la lucha del SEIU por los derechos laborales, inspirando las consiguientes salas del edificio.

La obra original estaba montado sobre un muro de bloques de cemento y su fragilidad y escala hacían imposible su traslado, por lo que Adjaye encargó una réplica. La reproducción del mural abrió a Adjaye la idea de trasladar la rica historia del sindicato a la nueva sede utilizando una forma monumental similar.

Así, Adjaye decidió convertir las fotografías históricas del sindicato en obras de arte a gran escala, a escala mural, del suelo al techo. Fue la fábrica de azulejos Cerámica Suro, de Guadalajara (México), que ha trabajado con frecuencia con artistas de renombre, la encargada de reproducir esas 80 fotos en azulejos a la escala deseada, digitalizando las imágenes y transfiriéndolas al esmalte de azulejos cuadrados de dos pulgadas.

ACAW es un taller de investigación y desarrollo para especialistas en revestimientos que pretende explorar el uso de la terracota en el diseño de fachadas. Representantes de la industria y el mundo académico se reúnen en Buffalo para dar lugar al Taller de Asambleas de Cerámica Arquitectónica. Así, presentado por Boston Valley Terra Cotta y la Buffalo School of Architecture and Planning, el ACAWorkshop tendrá lugar del 13 al 17 de agosto de 2023.

El objetivo del workshop es introducir y considerar las propiedades de la terracota al principio del proceso de diseño arquitectónico. También se desarrollan tareas de investigación entre la industria manufacturera y la arquitectónica, puesto que resulta útil para el diseño de fachada de alto rendimiento. A través del desarrollo de prototipos, la exploración de los equipos incluye el uso de nuevas herramientas digitales en la producción de ensamblajes de terracota. El desarrollo de sistemas de fachadas unificadas así como la materialidad variable de la terracota puede informar y mejorar el rendimiento de una fachada.

Como en ediciones anteriores, ACAWorkshop 2023 culmina con un evento de una semana de duración, en el que los equipos construyen modelos de sistemas a partir de sus prototipos y presentan sus estudios a sus colegas de la industria.

Studio RAP ha diseñado y comenzado la producción del revestimiento de la fachada de una llamativa boutique en la calle comercial más lujosa de Ámsterdam, la P.C. Hooftstraat. Este edificio es un ejemplo de cómo al fusionar los métodos avanzados de la impresión cerámica en 3D, el diseño algorítmico y el esmaltado artesanal, se revela el potencial arquitectónico de la cerámica y los ornamentos del siglo XXI.

Mediante algoritmos de diseño digital de producción propia, Studio RAP explora una reinterpretación de las cualidades decorativas y el vocabulario de diseño de la cerámica vidriada de la histórica ciudad de Ámsterdam. El diseño reproduce la silueta de la fachada original, continuando el tripartito característico de la calle y manteniendo el carácter general del lugar. La escala, el tamaño, el tipo y el color de los ornamentos y materiales están en sintonía con los edificios vecinos.

El diseño pretende inspirar con una expresión contemporánea de artesanía digital, reinterpretando clásicos históricos de formas nuevas y emocionantes. La fachada también hace referencia a la colección del cercano Rijksmuseum, donde se guarda una gran colección de cerámicas de todo el mundo. Los detalles altamente diferenciados y diseñados algorítmicamente se realizarán utilizando la tecnología de impresión 3d a gran escala de Studio RAP, producida internamente en el estudio de arquitectura. El resultado es una boutique de lujo que aspira a destacar entre los edificios circundantes.

Las artes de la cartografía y la cerámica no son tan dispares como podría parecer a primera vista. Ambas trabajan con la superficie del suelo: la primera registra puntos de referencia y selecciona elementos para representarlos a escala; la segunda selecciona elementos de la superficie para combinarlos y transformarlos en vasijas o esculturas. Para la ceramista Loraine Rutt, tomar la superficie física de la tierra y hacer modelos a escala de nuestro planeta parecía, por tanto, una progresión natural.

Ahondando en esta idea de descontextualizar la cerámica de su escala habitual, Rutt también ha realizado colaboraciones en el campo de la arquitectura. Un ejemplo de esta sinergia entre artesanía y producción industrial es su labor de diseño para la fachada del edificio Mapleton Crescent, junto al estudio Metropolitan Workshop.

Para este encargo, Rutt desarrolla un exclusivo revestimiento de terracotta azul verdoso que responde al tranquilo río Wandle a partir de tres perfiles diferentes, que coronan el edificio y dan una sensación transformadora de profundidad a la fachada. Además, la percepción del color de la loza varía según la hora del día. A la luz directa del sol es verde, y en condiciones de poca luz produce un aspecto reflectante azul verdoso que revela las texturas de la terracota con mayor impacto.

Tras dos años de espera, la Feria Internacional de la Cerámica, el Baño y la Cocina, CEVISAMA23, volverá a convertir a València en la capital mundial de la arquitectura del 27 de febrero al 3 de marzo. No sólo porque reunirá la más amplia oferta de productos cerámicos, sino porque ha conseguido cerrar un espectacular cartel para su tradicional ciclo de conferencias. El Foro de Arquitectura y Diseño volverá un año más a estar comisariado por Luis Fernández-Galiano, Director de la Revista AV/Arquitectura Viva.

Con el fin de recuperar la afluencia de ediciones anteriores, nombres relevantes de la arquitectura reciente se darán cita el próximo 28 de febrero en Feria Valencia. Es el caso de Anne Lacaton, Pritzker 2021 y componente del estudio francés Lacaton&Vassal. O de Francis Kéré, premio Pritzker 2022 y primer arquitecto africano en recibir el máximo galardón de la disciplina. Además, también contará con la presencia del influyente arquitecto inglés David Chipperfield, medalla de Oro del RIBA 2011.

Por todo ello, CEVISAMA23 se convierte una vez más en un encuentro imprescindible para distribuidores, promotores, arquitectos, diseñadores, estudiantes e investigadores de ámbito internacional.

Enmarcado en Valencia Capital Mundial del Diseño 2022 y dirigido por Ana Illueca, el proyecto ADN Cerámico reivindica la forma única de hacer diseño en la Comunitat Valenciana gracias a su vinculación con la tradición cerámica.

A través de un mapa en el que se muestra el trabajo de ceramistas repartidos de norte a sur de la Comunitat Valenciana trata de demostrar que la cerámica es una cualidad diferenciadora en el diseño valenciano, toda una declaración de intenciones afirmando que la cerámica está más viva que nunca. A su vez, su misión es destacar modelos contemporáneos para inspirar a las nuevas generaciones de ceramistas y diseñadores, además de establecer colaboraciones que permitan a la industria nuevas e innovadoras miradas y a los ceramistas nuevos skills e internacionalización de su aportación.

En palabras de Ana Illueca “Nos gustaría elaborar una identidad de la que sentirnos orgullosos para la región, construir comunidad de cerámica, una comunidad fuerte que permita asociarla a un valor económico mayor para un beneficio común. Y también que la sociedad entendiera que existen diferentes tipos de cerámica como la técnica, la tradicional, utilitaria, arquitectónica, contemporánea…Y sobre todo entender que no estamos ni ante una moda o un hobby, que estamos ante un oficio”.

El veredicto de los Premios Azulejos de España 2022 tuvo lugar el pasado 29 de noviembre, con el prestigioso arquitecto inglés Eric Parry como presidente del jurado. Luis Rojo, Biba Dow, José Juan Barba, Agnès Blanch y Ángel Pitarch conformaron el resto del jurado reunido en Castellón.

En esta ocasión, Ripoll-Tizón fue premiado por su proyecto Viviendas sociales en Ibiza. La propuesta destaca la utilización baldosas de gres esmaltado con aspecto tradicional,  que le confiere a la propuesta una calidez estética y una elevada durabilidad. Sin embargo, a su vez opera como sistema decorativo, marcando llenos y vacíos que permiten ordenar la arquitectura del vacío interior que tanto protagonismo tiene en la configuración de la propuesta.

Por otro lado, el proyecto ganador en la categoría de Interiorismo fue Ávila. Planificación de un espacio vacío de All Around Lab. El jurado destaca la reducción al mínimo de los medios estéticos y materiales utilizando la cerámica tanto en pavimentos como en el revestimiento de mobiliario. Por último, Marta Millanes Sánchez obtuvo el galardón en la categoría de Proyecto Fin de Carrera. El trabajo de la estudiante de la Escuela de Arquitectura de Toledo propone el uso de materiales cerámicos como hilo conductor para definir diferentes recorridos a lo largo de la vivienda.

Las reflexiones sobre la cerámica como material vuelven a publicarse en forma de libro en este cuarto volumen de la colección de ensayos coordinada por la Cátedra Cerámica Madrid.  Diferentes arquitectos se aproximan a la cerámica desde múltiples puntos de vista, potenciando la profundización por parte del alumno de arquitectura y de sus profesores, en el conocimiento de este material secular.

Beatriz Matos Castaño y Alberto Martínez Castillo, autores del ensayo «La cerámica y los maestros modernos, 5+1», abordan el uso de la cerámica en la época moderna y contemporánea. Sou Fujimoto, por su parte, habla en su entrevista de la evolución del proceso de diseño en su estudio, así como de la cerámica en su obra, un material que considera excelente en términos de durabilidad, color y aislamiento. También destaca la capacidad del material para estructurar espacios y confiesa su fascinación por la Alhambra de Granada, un edificio en el que los límites del espacio se difuminan a través de la cerámica.

Por último, Antonio Jiménez Torrecillas aporta el ensayo «Nunca digas nunca jamás». En él desarrolla sus reflexiones sobre su relación con la cerámica a lo largo de su carrera como arquitecto.

DRDH Architects fue uno de los dos estudios británicos, junto con FAT, invitados a diseñar exposiciones para la Bienal de Urbanismo de Shenzhen y Hong Kong de 2010. La propuesta pretendía abordar los deseos individuales y colectivos de los habitantes de la ciudad, involucrando a sus niños en cuestiones como la observación y la imaginación. Así, se organizaron diez talleres en escuelas locales de Shenzhen, en los que 500 niños participaron en la construcción de 2000 casas de arcilla. El taller YoYo, una escuela de cerámica local, fabricó bloques de arcilla repetitivos basados en las proporciones de los ladrillos, en tres tamaños. Utilizando una serie de herramientas de modelado fabricadas por DRDH, se invitó a los niños a rehacer edificios que conocían o a imaginar otros nuevos para su ciudad.

Las casas terminadas se recubrieron con un esmalte blanco tradicional que reforzaba su identidad colectiva. A través de la decoración y el proceso de cocción cada casa también se volvió más singular e individual al producirse sutiles deformaciones. Se fotografió a cada niño con su casa terminada y, antes de la inauguración de la exposición, se les invitó a colocarla en la maqueta de la ciudad. Esta estaba definida por una mesa de 6 por 8 metros, que incorporaba una serie de agujeros que les permitían llegar a cualquier parte de la superficie.

arquitecturasceramicas es una colección de textos publicados por la Cátedra Cerámica Valencia con el objetivo de enriquecer el conocimiento sobre la aplicación de la cerámica en la arquitectura. Esta iniciativa perpetúa la idea de que la cerámica es un material en constante evolución. Es un material vivo y actual que apuesta por la continua investigación de nuevos usos y aplicaciones, ofreciendo enormes posibilidades creativas y funcionales.

El tercer volumen incluye un primer capítulo de carácter teórico que contiene una entrevista concedida por el artista brasileño Athos Bulcao al periódico Jornal de Brasilia, el artículo La ilusión como estructura, escrito por el escultor norteamericano Richard Lippold, y el testimonio del arquitecto José Ignacio Linazasoro sobre su relación con el ceramista Toni Cumella analizando la integración entre las artes plásticas y la arquitectura.

ASCER (Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos) convoca la vigésimo primera edición de los Premios Cerámica de Arquitectura, Interiorismo y Proyecto Fin de Carrera.

Con esta nueva edición, el objetivo de los Premios Cerámica de España sigue siendo mejorar el conocimiento y la comprensión de las baldosas cerámicas fabricadas en España y promover su uso por parte de los profesionales (tanto dentro del territorio español como fuera de nuestras fronteras). En la última edición de los premios, el ganador en la categoría de arquitectura fue el proyecto de entrada a la Nueva Sede de la Fundación Laboral de la Construcción de la Comunidad Valenciana en Bétera de MRM Arquitectos.

A la XXI edición de los Premios Azulejos de España pueden presentarse arquitectos profesionales, interioristas, ingenieros de arquitectura, paisajistas y decoradores de todas las nacionalidades, y las candidaturas, que deben hacer un uso significativo de pavimentos y/o revestimientos cerámicos en la parte formal del edificio, pueden presentarse a través de la web www.tileofspainawards.com hasta el 28 de octubre de 2022.

El uso de la tierra se remonta a los primeros tiempos de la arquitectura. Sólo con la llegada de los procesos de industrialización este material fue sustituido y descartado, asociándose a construcciones primitivas. La preocupación por el medio ambiente y el Cambio Climático han rescatado esta materia del olvido, volviendo a captar la atención de arquitectos y diseñadores.

Clay Rotunda, realizada por estudiantes del MAS ETH DFAB, junto con investigadores de Gramazio Kohler Research, es una investigación en curso que esta permitiendo establecen una  transferencia de conocimientos entre la universidad y la industria. Este echo está dando un nuevo significado e investigando nuevas formas —más eficientes y duraderas— de construir con tierra.

Construida con más de 30.000 módulos colocados a lo largo de 50 días, Clay Rotunda tiene casi 11 metros de diámetro y 5 de altura. El innovador proyecto combina la arcilla cruda con un proceso de fabricación robotizado in situ, que mediante el prensado controlado de los cilindros, forma agregados entrelazados estables. La compresión de cerca del 60% de la altura original del cilindro asegura una agregación fuerte. Esto da lugar a una unión suave y sólida que expresa tanto la plasticidad del material como las fuerzas dinámicas del proceso de construcción.

Diferentes reflexiones sobre el material cerámico vuelven a publicarse en forma de libro en este tercer volumen de la colección de Ensayos sobre Arquitectura y Cerámica coordinada por la Cátedra Cerámica Madrid. En esta ocasión, los arquitectos invitados han escrito textos a partir de su propio trabajo profesional. Usos diferentes en cada caso, que reflejan las distintas formas de utilizar este material en el espacio arquitectónico.

Pedro Pablo Arroyo, autor del ensayo «Tatuajes, máscaras y velos en el paraíso», en el que aborda el uso de la cerámica en los jardines y la arquitectura china. Jorge Otero Pailos, por su parte, habla en «La ambivalencia del humo» de la arquitectura de las ciudades estadounidenses del siglo XX y del uso de la cerámica gracias a su condición higiénico-sanitaria. Esta misma condición, explica, es la que convierte a la cerámica en un lugar donde acumular los depósitos de polución, teniendo éstos la capacidad de narrar la historia del edificio.

Por último, Carme Pinós aporta el ensayo «Desde el contexto». En él, desarrolla sus reflexiones sobre su arquitectura y, en particular, explica la Escola Massana, en la que la cerámica se utiliza de forma sustantiva en el diseño para que el material se convierta en el protagonista del espacio.

Hanging Garden, un mural de cerámica de 15 metros de largo alrededor de la piscina de una robusta casa de hormigón en Sidney, fue una colaboración entre el artista Sonia van de Haar (Lymesmith) y Neeson Murcutt Architects.

El mural, que se eleva por encima de los grandes afloramientos de arenisca que atraviesan en diagonal el solar y el exuberante jardín, es un elemento paisajístico que se experimenta como parte del conjunto. Su paleta de colores —rojo intenso, naranja y rosa arcilla, junto con el blanco y el azul oscuro— se integra perfectamente en los elementos naturales. De este modo, el muro serpenteante creado por Lymesmith se convierte en una parte genuina del jardín; tiene un hermoso sentido de sí mismo, distinto, y sin embargo absolutamente perteneciente a este lugar.

Por otro lado, no es posible ver toda la obra al mismo tiempo. Sin duda alguna, es necesario moverse entre la casa y la piscina a través de caminos y escaleras para contemplar su belleza. Lo que desvela un diálogo entre el lugar y la arquitectura. Al mismo tiempo, hace que la pared de baldosas vidriadas hecha a mano destaque, convirtiéndose en el punto focal de todo el jardín, gracias a sus colores brillantes, su patrón y su textura. Los tonos cálidos, las palmeras y los juegos de luz que se reflejan en la piscina, crean una atmósfera emotiva y apacible, que favorece la plenitud de la vida familiar.

El uso de la arcilla cocida en forma de ladrillo, baldosa o cerámica ha sido ininterrumpido y universal desde los albores de la civilización hasta nuestros días. Sin embargo, el uso de esta materia en forma de terracota arquitectónica ha sido más esporádico y local. Hoy en día es de conocimiento común entre los arquitectos que la terracota moderna posee muchas cualidades superiores; que puede fabricarse económicamente en una variedad interminable de formas y colores; que, si está bien hecha y adecuadamente colocada, es permanentemente duradera y resiste a los problemas derivados del agua y del fuego; y que a su vez, combina la ligereza con la fuerza y la belleza con la utilidad.

Architectural Terra Cotta: Standard Construction es una breve publicación de soluciones constructivas y detalles editada por la National Terra Cotta Society en 1914. El libro, preparado gracias a la cooperación de casi todos los fabricantes de terracota de los Estados Unidos, no pretende ser en ningún sentido un libro de aspiraciones artísticas. Ni siquiera, pretende sugerir un diseño o estilo arquitectónico. Esta obra, recopila 70 dibujos realizados bajo la dirección del arquitecto Peter C. Olsen. En cada uno de ellos se plasma diferentes posibilidades de este material con el objeto de su uso y su correcta interpretación.

De la colección de Alan O’Bright. Digitalizado por Association for Preservation Technology International e Internet Archive.

A lo largo del tiempo y a través de diversas culturas, el uso de la teja en la cubierta se ha limitado a menudo a sistemas de construcción con principios organizativos aparentemente estáticos, predecibles y planos. Este proyecto, diseñado por BASE, explora nuevos repertorios espaciales y formales que reimaginan y potencian el uso y las posibilidades de los materiales tradicionales mediante métodos globales de diseño contemporáneo.

De forma casi escultórica, los frágiles elementos cerámicos suspendidos en un techo de cables de luz revelan la capacidad inherente a su naturaleza cóncava para constituir estructuras geométricamente complejas. Así, la organización del sistema obedece a un comportamiento intuitivo entre las partes: distancia, peso, gravedad y tensión física, así como a la lógica de la proliferación masiva y la replicabilidad coordinada. En ese sentido, la propuesta del estudio chileno establece una aplicación particular dentro de las diversas variaciones que permite el sistema. Un diseño que invita a la gente a crear espacios comunes semiabiertos, convirtiéndolo esencialmente en un habilitador social que permita la inclusión y la generosidad espacial.

En ese sentido, y en el contexto de la Bienal de Venecia 2021, la instalación Flocking Tejas pretende desencadenar preguntas y evocar imágenes sobre el potencial espacial, social e identitario de la arquitectura y los materiales locales.

Sobre los hombros de las ricas tradiciones artesanales de Hasami, surge una plataforma cerámica dentro de la tienda insignia de la marca Maruhiro en Nagasaki.

Distinguido fácilmente por su calculado minimalismo y su diseño poco convencional, el proyecto del arquitecto Yusuke Seki utiliza 25.000 tazas, platos y cuencos de porcelana blanca de origen local para crear un nuevo espacio a través de un único elemento. Cada una de las piezas denominadas ‘Shinikiji’ en japonés, cerámica defectuosas tras la cocción inicial en sus respectivas fábricas locales, fueron reutilizadas en el diseño de Seki como parte de su proceso de revalorizador. Para ello, Yusuke rellenó cada pieza con hormigón para reforzar sus huecos. Probó su resistencia y apiló como ladrillos los elementos con una precisión similar a la del Tetris.

De esta manera y con un enfoque sostenible, la propuesta es una forma de alterar la experiencia de los clientes en la tienda. Además, la blanca plataforma crea una sensación de reverencia hacia la cerámica y su legado en la zona. Transmitiendo la fragilidad de cada elemento individual al mismo tiempo que la contundencia de su conjunto.

arquitecturasceramicas es una colección de textos publicados por la Cátedra Cerámica Valencia con el objetivo de enriquecer el conocimiento sobre la aplicación de la cerámica en la arquitectura. Esta iniciativa perpetúa la idea de que la cerámica es un material en constante evolución. Es un material vivo y actual que apuesta por la continua investigación de nuevos usos y aplicaciones, ofreciendo enormes posibilidades creativas y funcionales.

Este segundo volumen de arquitecturascerámicas incluye un apartado teórico con un artículo de Alberto Sartoris sobre la figura del ceramista Antoni Cumella, ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1980. Otro de los textos reflexiona sobre la importancia de la luz y la sombra como elementos configuradores del espacio, a cargo de Ingeborg Flagges. Por último, un tercero de Enrique Fernández-Vivancos analiza las repercusiones del azar en la evolución de los materiales cerámicos.

Brian Peters, arquitecto y artista, ha fusionado ambos mundos en una carrera profesional distintiva que le ha llevado a exponer en todo el mundo. Su medio: la cerámica impresa en 3D y el juego de luces y sombras.

Originario de Grand Rapids, Michigan, su obra explora patrones, texturas y formas que evidencian tanto la mano del artista como las marcas de las herramientas utilizadas. A Peters no le interesa la perfección de los objetos fabricados a máquina, sino el arte de integrar la tecnología, la estética contemporánea y la arcilla natural.

Una vez desarrollado el patrón, traduce sus bocetos y dibujos bidimensionales en geometrías 3D modeladas. Este proceso de diseño paramétrico le permite explorar y realizar multitud de prototipos gracias a las impresoras 3D de cerámica que él mismo construye. Cada pieza final es el resultado de innumerables prototipos de diferentes escalas, geometrías, conexiones y esmaltes. Finalmente, las piezas las terminan a mano una vez salen de la impresora. Después, se secan durante varios días y se cuecen en el horno para posteriormente esmaltarlas con métodos artesanales y volverlas a cocer. De este modo, artesanía y arte siguen formando parte de cada pieza, es decir, no se fabrican a máquina, sino que se elaboran digitalmente.

Matthew Raw fue el encargado de convertir una enorme sección de la pared exterior, junto a la entrada principal del nuevo Escuela de Artes y Humanidades de la Universidad de Warwick, en un alegre mural. La obra de cerámica, llamada Faith in the Miraculous, es un trabajo de amor e inspiración comunitaria, que refleja la creatividad y la innovación ala que aspira la Escuela.

Este mural a gran escala (5x15m) instalado en el edificio diseñado por Fielden Clegg Bradley Studios, fue encargado por Sarah Shalgosky en 2018. La colorida obra defiende la unión de las personas, hace referencia a la arquitectura de la catedral de Coventry, con su espectacular gama de colores, y celebra las habilidades históricas de la zona.

Para la fabricación de las piezas cerámicas de 70x100cm, NBK contactó con el artista quién decidió hacer intervenciones a mano para tallar y adaptar cada baldosa al peculiar diseño. Además, los increíbles efectos de colores mezclados en los esmaltes—otra intervención realizada a mano—representa el encuentro de mentes y el intercambio de conocimientos entre personas. Como dice Matthew Raw «Esta obra de arte es una exploración del acto de reunirse para crear. ¿Qué relaciones, pensamientos e ideas saldrán de los alumnos este edificio? No se sabe. Será el azar y la colaboración de todos ellos, lo que nos permita conocerlo».

Finalizado en octubre de 2016, el mural del Jardim Botto Machado es la mayor obra de arte callejero de la ciudad de Lisboa. Diseñado por André Saraiva, se compone de 52.738 azulejos pintados a mano por el propio artista y fabricados por Viúva Lamego, siguiendo técnicas y métodos de producción artesanal. La obra, que fue una iniciativa del Ayuntamiento de Lisboa, junto con el MUDE – Museo del Diseño y la Moda y la Junta Parroquial de S. Vicente, se extiende a lo largo de 188 metros de longitud y 1011 metros cuadrados de superficie. Para esta ocasión, Saraiva, adaptó su estilo al material. El artista dejo apartado las pinturas en spray o rotuladores permanentes, para utilizar pinceles, una técnica que permitirá que su colorida y exuberante obra permanezca durante al menos cien años.

El mural, sin embargo, es mucho más que una bonita imagen: en el se recoge historias de la vida de Saraiva. Además, sus dibujos sugieren una ‘reinterpretación’ de la capital portuguesa, representada a través de los colores y el diseño que distinguen su obra. Mezcla el pasado y el presente, así como referencias a otras capitales del mundo, donde el artista vive y trabaja.

Este cortometraje Private View: André, dirigida por Julie Georgia Bernard para NOWNESS, muestra cómo cobró vida este singular proyecto.

La obra Lattice Detour, del artista Héctor Zamora, es un monumento a la apertura frente el encierro, a la ligereza sobre la pesadez, a la transitoriedad antes que la permanencia. La obra, la octava de una serie de encargos anuales para la cubierta del Metropolitan Museum, está organizada por Iria Candela, Conservadora de Arte Latinoamericano del museo.

El proyecto de Zamora es un muro curvo independiente de piezas de terracota, de más de 30 metros de largo y 3 metros de alto. La instalación, que parece tener una superficie sólida, esta perversamente colocada para ocultar desde el acceso las espectaculares vistas a Central Park. Sin embargo, la superficie del muro se revela lentamente como una malla sensual y etérea que sorprende por su transparencia. Su textura calada permite una visión completa, aunque filtrada—pixelada—a través de ella, del parque y de la ciudad más allá. Al mismo tiempo, la posibilidad de interacción entre los espectadores de ambos lados del muro es una imagen cargada de significado político. Con ella, el artista mexicano pretende reflejar lo que debería ser y hacer un muro, y en concreto el proyectado muro fronterizo entre Estados Unidos y México.

En el siguiente video puedes descubrir como el artista, Héctor Zamora, habla de Lattice Detour, su instalación para el Roof Garden del MET.

El 20 de noviembre tuvo lugar el fallo de los Premios Cerámica de Arquitectura e Interiorismo de España 2021, con el prestigioso arquitecto español Carlos Ferrater como presidente del jurado. Fermín Vázquez , Jaime Sanahuja, José Mª Marzo, Alicia Fernández y Ángel Pitarch, conforman el resto del jurado reunido en Castellón.

En esta ocasión, MRM Arquitectos fue premiado por su proyecto Nueva Sede de la Fundación Laboral de la Construcción de la Comunidad Valenciana en Bétera. La propuesta destaca la utilización de piezas de gran formato que conforman la esencia de la envolvente del edificio. Se valoró el uso de un producto estándar aplicado con un sistema industrializado que define el cerramiento con criterios de limpieza, orden y minimización de recursos.

Por otro lado, el proyecto ganador en la categoría de Interiorismo ha recaído para la obra de rehabilitación Vivir en una casa Coderch de Vilablanch. El jurado ha admirado la acertada selección de materiales cerámicos y la cuidada ejecución de la obra. Por último, Gonzalo López Elorriaga obtuvo el premio en la categoría de Proyecto Fin de Carrera. El trabajo del alumno de la ETSAM propone el uso de baldosas cerámicas con formatos tradicionales, pero con propuestas que pueden considerarse transgresoras.

Illuminating Through Ceramics es un proyecto docente enmarcada dentro de las investigaciones que se desarrolla en el programa MArch de la Escuela de Arquitectura de Liverpool. La publicación, editada por la Cátedra Cerámica de la Universidad de Liverpool, dirigida por Rosa Urbano, patrocinada por ASCER, y coordinados a través del ICEX (Instituto Español de Comercio Exterior), muestra los resultados obtenidos por los estudiantes. En ella, se recogen nuevos conceptos de fachadas cerámicas sostenibles que mejoran la distribución de la luz natural en el interior de los edificios, transformando el muro de celosía en una interfaz de iluminación dinámica. Mediante técnicas de control, análisis geométrico y herramientas de digitales contemporáneas, se diseño diferentes piezas cerámicas que integradas en el sistema fueran capaz de captar, acumular o desviar la luz del día a través de la piel del edificio.

El libro muestra imágenes de las trece propuestas de los estudiantes de la promoción 2011-12, que abarcan una gran variedad de estrategias: una araña natural, una fachada de sombreado performativo, una pantalla de varillas deflectoras de luz, dos sistemas de estantes de luz, dos sistemas de lamas deflectoras de luz, dos cortinas giratorias y móviles, un techo transportador de luz, dos pantallas de aletas de sombreado vertical y un techo de sombreado dinámico. En definitiva, todos estos proyectos reflexionan sobre la materialidad y la tectónica como instrumento para promover ideas y desarrollar nuevos métodos de diseño sostenible.

Ensayos sobre Arquitectura y Cerámica de Cátedra Cerámica Madrid son una colección de textos cuyo objetivo es compilar el pensamiento que sobre el material cerámico se puede realizar desde la modernidad arquitectónica. Esta idea de profundizar en el pensamiento sobre el valor espacial del material cerámico llevó a los editores a pedir a una serie profesores o arquitectos de reconocido prestigio, que pusieran por escrito unas reflexiones arquitectónicas que constituyeran los ensayos que se recogen en este pequeño libro.

En esta ocasión, los arquitectos han escrito textos sobre la cerámica a partir de su uso en su propia arquitectura, un uso diferente que refleja la distinta forma que tiene cada uno de pensar el espacio arquitectónico.

Carlos Ferrater, bajo el título «Cerámica, Variaciones», desarrolla el tema del uso contemporáneo de la cerámica en el proyecto de arquitectura a través de dos obras: la Casa AA y el Paseo Marítimo de Benidorm. Wang Shu, con el texto «De la tierra a la cerámica. Una construcción viva», reflexiona sobre la relación entre la arquitectura y la naturaleza en la arquitectura tradicional china. Un tema recurrente que recorre su obra construida, que le lleva a la conclusión de que la tradición debe ser recuperada en la arquitectura contemporánea por medio de la artesanía. Por último, Paredes-Pedrosa aportó el ensayo «La cerámica en el Palau de Peñiscola». En él, repasan el proceso de diseño y construcción de ese proyecto.

El arte del Zellige es un proceso delicado, en el que la atención al detalle es un ingrediente vital en la producción de estos pequeños azulejos. A pesar de que la industria se ha modernizado, el proceso de ensamblaje de estas piezas cerámicas no ha cambiado durante este tiempo. Pero, ¿cómo se fabrican estos elementos?

El Zellige es un azulejo de arcilla artesanal originario de Marruecos. Sus piezas se caracterizan por sus variaciones en el tono, el brillo, la planicidad y la profundidad del vidriado, su textura superficial con irregularidades, así como su variabilidad en la forma y el tamaño. Cada elemento cerámico es único. Esto es debido a que cada artesano especializado—Mâllems—trabajan minuciosamente para crear sus diseños. Este azulejo tradicional marroquí se fabrica con una arcilla natural muy singular. Este material sin refinar se amasa con agua, se moldea a mano y se seca de forma natural al sol. Los azulejos crudos se cuecen en un horno para crear las galletas—Bejmat—que se esmaltan a mano, una a una, en una variedad de colores antes de una segunda cocción que fijará el esmalte. El último paso es el corte del bejmat esmaltado en múltiples formas y tamaños, para crear el Zellige.

El siguiente vídeo, una coproducción de Morocco In Motion, Editions Amabilis Maroc Sarl y Amabilis Inc., muestra el proceso de fabricación de esta técnica histórica que sigue fascinándonos en el siglo XXI.

La imaginativa intervención realizada por el dúo artístico Los Bravú sobre la fachada del Palacio de la Música de Madrid se convierte en una invitación a pararse y observar en plena Gran Vía, una de las calles más transitada y emblemáticas de España.

La obra, que parte de una iniciativa de la Fundación Montemadrid, con la que pretende unir dos proyectos culturales: La Casa Encendida y el Palacio de la Música, ocupa más de 30 metros de ancho y casi 5 metros de altura. Inspirados por el azulejado típico de la capital, el resultado son 2.842 azulejos blancos impresos con láser gracias a la colaboración de Clorofila Digital, Azulejos Peña, y del arquitecto Arturo Garrido.

El mural cerámico, realizado a partir de un dibujo elaborado por Dea y Diego (Los Bravú) con diferentes técnicas y estilos gráficos que van desde la acuarela al bolígrafo, lápiz o rotulador, pretende lanzar al espectador ideas, discursos e imágenes, como si de una nube se tratase. En él, se describen escenas donde objetos, personas y animales contemporáneos se representan a la manera renacentista en un continuo espacio que entrelaza un puzzle cultural, a veces inconexo, en el que reflejar las preocupaciones sociales, artísticas y medioambientales de nuestro día a día en una ciudad cosmopolita como Madrid.

El proyecto ProtoCeramics consiste en una investigación orientada a la producción de materiales novedosos en relación con la última generación de baldosas cerámicas finas de gran formato, que en la actualidad se utilizan sobre todo como acabado de superficies interiores y exteriores. Pero, ¿y si ese material pudiera utilizarse de forma estructural? Esa es la pregunta que se plantea el grupo MaP+S de la Universidad de Harvard, en colaboración con ASCER y Javier Mira y Jorge Corrales del ITC.

El trabajo, dirigido por el profesor Martin Bechthold, persigue tres manipulaciones diferentes – curvar, cortar y plegar – al mismo tiempo que explora las oportunidades inherentes a estas estrategias para la producción de conjuntos autoportantes.

Los resultados que se expusieron en la feria internacional de CEVISAMA de 2015,  se tradujeron en una exhibición donde se mostraban tres prototipos a gran escala con baldosas de 3 mm de grosor. Para mostrar las posibilidades derivadas del método de corte, el grupo utilizó un chorro de agua CNC. Para explorar el plegado, el equipo utilizó la flexibilidad que ofrece el soporte auxiliar de mallas para crear geometrías 3D a gran escala. Por último, descubrieron que doblar el material, un proceso aparentemente antitético para una sustancia tan frágil, en realidad lo hacía más fuerte gracias a su mayor rigidez, permitiendo desafiar las expectativas convencionales en el diseño de cerámica.

Los Premios Cerámica de Arquitectura e Interiorismo de España 2021, organizados por ASCER (Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos), contarán con un jurado de excepción. Este año, estará presidido por el arquitecto español Carlos Ferrater, que casualmente fue el presidente de los premios en su primera edición de 2001. Ferrater ha sido galardonado con el Premio Nacional de Arquitectura 2009 por el Ministerio de Vivienda español por el conjunto de su trayectoria y desde diciembre de 2011 es miembro del Royal Institute of British Architects (International RIBA Felowship). Además, el arquitecto catalán es uno de los fundadores, junto con Xavier Martí, Lucía Ferrater y Borja Ferrater, de la Oficina de Arquitectura de Barcelona (OAB).

Con esta nueva edición, el propósito de los Premios sigue siendo mejorar el conocimiento y la comprensión de las baldosas cerámicas fabricadas en España entre arquitectos e interioristas y promover su uso por parte de estos profesionales (tanto dentro del territorio español como fuera de nuestras fronteras). En la última edición, el ganador en la categoría de arquitectura fue el proyecto Casa Ter (Girona) de MESURA y Salva López.

La 20ª edición de los de Arquitectura e Interiorismo de España ya está abierta y las candidaturas pueden presentarse a través de la web www.premiosceramica.com hasta el 28 de octubre de 2021.

arquitecturasceramicas es una colección de textos publicados por la Cátedra Cerámica Valencia con el objeto de enriquecer el conocimiento sobre la aplicación de la cerámica en la arquitectura. Esta iniciativa, que nació tras dos años de trabajo en la escuela de Valencia, viene a perpetuar la idea de que la cerámica es un material en constante evolución. Un material, vivo y actual que apuesta por la continua investigación de nuevos usos y aplicaciones ofreciendo enormes posibilidades creativas y funcionales.

En este primer volumen de arquitecturasceramicas se incluye un artículo sobre la figura de Llorens Artigas y otro sobre teoría del proyecto de Paul Rand. El tercer texto analiza las estrategias de utilización de los revestimientos cerámicos en la actualidad. Por último, tambien se recopilan los proyectos elaborados por los estudiantes durante el workshop Envolventes. En él, se refleja todo el esfuerzo y entusiasmo de los participantes en las diversas actividades de la Red de Cátedras impulsada por ASCER. Como epílogo, se incorporan las fotografías y comentarios realizados sobre La Ricarda de A. Bonet, por parte de aquellos estudiantes y profesores, que tuvieron la oportunidad de visitarla.

El Architecture Ceramic Assemblies Workshop (ACAW), organizado por Boston Valley Terra Cotta en colaboración con las universidades de Carnegie Mellon y Buffalo, es un evento práctico de investigación y desarrollo que reúne a profesionales de la industria arquitectónica y del mundo académico. Centrados en temas de sostenibilidad y biofilia, la investigación y el desarrollo de estos ACAWorkshops han culminado en proyectos del mundo real que han sido conocidos por ser innovadores e influyentes en todo el mundo. Y es que este evento internacional, ofrece a los participantes la oportunidad de profundizar en el conocimiento de la terracota arquitectónica y de explorar soluciones constructivas innovadoras a través del uso de las nuevas herramientas digitales.

Normalmente, el ACAWorkshop culmina en un taller presencial de una semana de duración, pero debido a Covid-19 este año se celebrará online. Equipos formados por diferentes fabricantes, arquitectos, diseñadores y estudiantes colaboran virtualmente en el diseño de elementos de terracota que superen los límites de lo posible.

La presentación del ACAW tendrá lugar el 19 de agosto de 2021. Para más detalles, visite ACAW’ 21.

Felipe Pantone, uno de los artistas con mayor reconocimiento y prestigio en la actualidad a nivel internacional, fue el responsable de desarrollar este peculiar proyecto para una de las fachada de la facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV). La obra, englobada dentro de la serie #Chromadynamica se materializa a través del estilo Pixel Art y de los coloridos mosaicos cerámicos de Onix. Cada pixel, una tesela.

Tal y como el propio Felipe Pantone argumenta: “La idea fue adaptar mi estilo a la técnica del mosaico, limitando la cantidad de colores y tratando las pequeñas piezas como si de píxeles se tratara. Los gráficos en cuestión representan imágenes que evocan una idea del tiempo presente, para así hablar de las características que considero importantes en nuestros tiempos: lo digital, lo cambiante y la velocidad.”

Con una envergadura de más de 330m2 para la realización de la obra se necesitaron más de 500.000 piezas de 6 colores diferentes. Una reducida gama cromática que en su conjunto y a una distancia adecuada es capaz de engañar al ojo humano e interpreta una gran riqueza de colores.

La historia de la arquitectura está inevitablemente ligada al sector de los revestimientos cerámicos. Desde mediados del siglo XIX los portugueses comenzaron a revestir sus edificios con azulejos, convirtiéndose en el país que más ha explotado este material a nivel artístico y formal.

Os Azulejos do Porto es un proyecto sin ánimo de lucro que tiene como propósito catalogar y preservar los azulejos de las fachadas de Oporto, conservando y dando a conocer en todo el mundo, el importante patrimonio artístico y arquitectónico de la ciudad. La idea surgió en 2016, tras conocerse Marisa Ferreira y Alba Plaza y desde entonces, teniendo en cuenta la gran cantidad de azulejos diferentes que existen, Os Azulejos do Porto se ha convertido en un archivo digital público en HD en constante crecimiento. En su página web, se pueden ver distintos estilos: geométrico, orgánico y floral, junto con diferentes diseños de composición: rotación, concéntrico y cuatro puntos.

Al mismo tiempo, el proyecto investiga la historia de cada pieza, identificando su procedencia, fábrica de producción o artesano. En el siglo XIX existían 19 fábricas de cerámica en todo Oporto, de las cuales seis eran las más importantes a nivel nacional. En la actualidad, las fábricas restantes producen de forma rápida y barata y son pocos los artesanos que siguen creando azulejos de forma tradicional, pintados a mano o en relieve. Es por ello que Marisa y Alba tratan de recuperar parte de ese patrimonio material e industrial que se ha ido olvidando con el paso de los años y que ahora toma visibilidad gracias a su minucioso trabajo. 

Todas las imágenes pertenecen a Os Azulejos do Porto

Los Ensayos sobre Arquitecturas y Cerámica publicados Cátedra Cerámica Madrid son una colección de textos cuyo objetivo es compilar el pensamiento que sobre el material cerámico se puede realizar desde la modernidad arquitectónica. Esta idea de profundizar en el pensamiento sobre el valor espacial del material cerámico llevó a los editores a pedir a una serie profesores o arquitectos de reconocido prestigio, que pusieran por escrito unas reflexiones arquitectónicas que constituyeran los ensayos que se recogen en este pequeño libro.

En este primer volumen, los cuatro arquitectos invitados han escrito textos a partir del uso de la cerámica en su propia obra y su interés en el pensamiento sobre la misma.

Arturo Franco, desarrolla un primer ensayo en el que mira al futuro de la cerámica desde su historia. El segundo texto lo firman Javier Bernalte y José Luis León y reflexionan, a propósito de su proyecto de Vivero de Empresas en Toledo, sobre un elemento invariante de la arquitectura: la celosía. Por último, Francisco Cifuentes se aproxima a la materia cerámica desde la construcción de objetos y útiles que contribuyen a proteger al hombre.

El nuevo azul de Delft, en ingles New Del Blue, es una obra pionera diseñada e impresa en 3D por el Studio RAP. En este caso, el proyecto reinterpreta las cualidades decorativas y el vocabulario de diseño de la porcelana azul de Delft. Todo ello, fusionando la impresión 3D con pastas cerámicas, el diseño computacional y la tradición.

Las aproximadamente 4.000 exuberantes piezas de cerámica revestirán las dos grandes puertas de entrada del bloque de edificios PoortMeesters, que forma parte de la remodelación a gran escala del barrio Nieuw Delft. Estas puertas, de cuatro metros de ancho, ocho de alto y doce de profundidad, cubrirán una gran escalinata en la que un patrón serpenteante guiará los ojos del espectador más allá de las líneas rectas de la escalera. Las piezas, impresas por Studio RAP serán cocidas y esmaltadas por la marca holandesa Koninklijke Tichelaar. Este trabajo entre los dos equipos permitirá combinar artesanía y tecnología en un  proceso poético y contemporáneo que han querido llamar «pintar con la forma»

En definitiva, el proyecto New Delft Blue demostrará, tras su finalización, que el potencial de la cerámica impresa en 3D puede llegar muy lejos en el campo de la arquitectura, y ejemplo de ello, será un futuro rascacielos residencial que el estudio holandesa está diseñando.

Con la cabeza en las nubes, a menudo nos olvidamos de la belleza material y el arte que nos rodea. Sebastian Erras, sin embargo, se ha ganado la aclamación y un amplio seguimiento por documentar la belleza del mundo bajo nuestros pies. Sebastián es un fotógrafo independiente especializado en fotografía de interiores. Tiene una pasión y un ojo agudo para la simetría, el diseño y la decoración. Con «Parisian Floors» empezó a tomar fotografías del suelo de la ciudad de Paris, inspirado por los mosaicos durante un viaje a Marrakech y su visita al Palacio Bahai. En su cuenta de Instagram (@parisianfloors), muestra una brillante colección de suelos de diferentes partes del mundo.

Este personal proyecto del fotógrafo alemán trata de captura los sorprendentes patrones de azulejos cerámicos, descubiertos al recorrer las ciudades. Comenzando por París, Sebastian ha continuado fotografiando diferentes ciudades europeas como Barcelona, Londres o Venecia. En todas ellas sus zapatos asoman para dar sentido de escala y recordarnos que a veces también está permitido agachar la mirada. La serie no sólo llama la atención sobre el diseño, sino también sobre la moda, ya que los elegantes zapatos de Erras se han convertido cada vez más en parte de las composiciones de sus fotografías.

Todas las imágenes pertenecen a Sebastian Erras Photography

El azulejo es un material asociado a la arquitectura como revestimiento de superficies interiores o exterior o como elemento decorativo aislado. En Arquitecturas de Azulejos, el episodio número 20 de la colección Atelier d’Arquitetura, se pretende mostrar como este material se ha convertido en un elemento constructivo difundido en diferentes países, asumiéndose en Portugal como un importante soporte de la expresión artística nacional en la actualidad.

Esta serie documental, producida por la empresa «Até ao fim do mundo» con la colaboración de la revista ARQA – arquitectura y arte, aspira a ser una mirada contemporánea de la arquitectura portuguesa y sus incidencias reales en la sociedad portuguesa. Los principales actores, arquitectos y usuarios, establecerán un vínculo especial con las artes visuales y el diseño. Además, los distintos episodios se centrarán más en la escala del detalle y su potencial estético en sinergia con la forma, el sonido, las imágenes y las personas, en el contexto de la Arquitectura, el Objeto y el Espacio Urbano.

Siza Vieira, Eduardo Souto Moura, Gonçalo Byrne, Patrícia Barbas, João Luís Carrilho da Graça, José Manuel Carvalho Araújo, Miguel Arruda, João Mendes Ribeiro, Camilo Rebelo, Cannatà y Fernandes, ARX, el estudio SAMI son algunos de los protagonistas que nos acompañaran a lo largo de los diferentes capítulos. 

Flotando por encima como un par de alas gigantes, la estructura cerámica, patrocinada por ASCER y creada por el Grupo de Robótica de Diseño de GSD y el Instituto Tecnológico de la Cerámica (ITC) para la exposición internacional CEVISAMA 2014, consistía en una cubierta cerámica de unos 7,8 por 4,5 metros en vista de planta, suspendida de las columnas centrales del edificio de la feria.

El modelo escultórico es una maqueta de un sistema estructural de cerámica y hormigón que descubre nuevas posibilidades estructurales de la cerámica. El sistema de la “concha cerámica” fue parte de un proyecto de investigación que ponía de relieve las cualidades estéticas y formales de un innovador sistema estructural desarrollado en su origen por el MaP+S, dirigido por el profesor Martin Bechthold, en colaboración con el equipo de Andreas Trummer del Instituto de Diseño Estructural de la Universidad Técnica de Graz, Austria.

La particularidad de la instalación es que logra reproducir una cubierta cerámica de doble curvatura resuelta con una única pieza, cuando lo habitual en superficies de doble curvatura es el uso unidades de geometrías variables. Para lograr esa simplificación, las piezas de gres esmaltado, fabricadas por Cerámica Cumella, se encajaban entre sí, acomodando así las diferencias de medidas de la superficie a revestir.

El proyecto efímero «Brick-topia», de los arquitectos Map13 Barcelona, fue el proyecto ganador en la categoría «Build-it» en el Festival Internacional de Arquitectura Eme3 celebrado en junio de 2013 en uno de los patios de la antigua fábrica Fabra i Coats, en el distrito de Sant Andreu. La propuesta es el resultado de la investigación académica de Marta Domènech Rodríguez, David López López y Mariana Palumbo Fernández, cofundadores del grupo. Una asociación de arquitectos dedicada a la investigación y la docencia sobre el papel de los sistemas constructivos tradicionales en la arquitectura contemporánea.

El diseño se basó en la combinación de las últimas herramientas de análisis estructural con técnicas de construcción tradicionales, baratas y eficaces. A partir de eso, el pabellón es una estructura abovedada de ladrillo que utiliza una técnica de construcción tradicional llamada «bóveda catalana».

Por otro lado, esta construcción tomaba como referencia el prototipo construido por Philippe Block, Matthias Rippman y Lara Davis en el ETH de Zúrich. Un proyecto con el que consiguieron demostrar la fiabilidad de «RhinoVault«, un plug-in para Rinoceros desarrollado en el Block Research Group. En definitiva, este software permitió el diseño y cálculo de la estructura abovedada de Brick-Topia sólo por compresión.

Puedes ver el video del proceso constructivo aquí!

Todas las imágenes pertenecen a Map13 Barcelona, Manuel de Lózar y Paula López

El cuadrado es la base de una cuadrícula geométrica regular. En 1908, Adolf Loos utilizó el rectángulo equilátero para resaltar la orientación ortogonal del interior de su llamado Kärntner Bar. El Bar Loos, como se llama hoy en día, es un interior urbano y un espacio social que transgrede las divisiones de clase y un escenario social condensado. Con este concepto, el LAX-BAR, diseñado por Christoph Meier, Ute Müller, Robert Schwarz y Lukas Stopczynski, es una copia de la propuesta de Loos. 

La inmersiva instalación reduce la arquitectura a su propia esencia y se centra en un diseño aparentemente simple que subraya el uso de un único material. Las paredes, los pisos, los techos y los muebles fijos están completamente cubiertos de azulejos de cerámica blanca 15×15 cm. La lechada negra entre las baldosas crea una retícula minimalista que también caracteriza el lugar. En esencia, un diseño que repudia prácticamente cualquier referencia directa al mundo exterior y que recuerda al artista francés Jean-Pierre Raynaud. Además, la propuesta también utiliza espejos como una forma de inscribir a los visitantes en la arquitectura del LAX-BAR.

En resumen, cuando se abre la puerta de este discreto edificio, los visitantes, como Alicia en el País de las Maravillas, caen en una especie de madriguera de conejo: como una imagen infinita dentro de la imagen.

Todas las imágenes están realizadas por Ute Müller.

El veredicto de los Premios Cerámica ASCER 2020 tuvo lugar el pasado 26 de noviembre, con la prestigiosa firma de Tokio KKAA – Kengo Kuma & Associates, y su mano derecha en el estudio, Javier Villar como presidente del jurado. Jonathan Arnabat, Izaskun Chinchilla, Daria de Seta, Lázaro Rosa-Violán conformaban el resto del jurado.

En esta ocasión, el estudio Mesura fue galardonado por su proyecto «Casa Ter» en el Baix Empotdà. La propuesta valoraba el uso de la baldosa cerámica de forma polifacética, en todas las posiciones y usos, generando una riqueza muy.

El ganador en la modalidad de Interiorismo de los Premios Cerámica ASCER 2020 fue para «Atlantis Gastrobar» de Arantxa Manrique. El jurado destacó la utilización de la cerámica en un espacio pequeño, consiguiendo un ambiente fresco y atemporal.  Finalmente, se alzó Andrea Puebla con el premio en la categoría de Proyecto Fin de Carrera. El trabajo del estudiante del CEU San Pablo Madrid inventa una nueva tipología de «edificio impluvium» donde la cerámica caracteriza al proyecto.

El efímero Pabellón de Agua, diseñado por Alexander Wolhoff, se construyó en el lago Lemán en 2017. La propuesta resultante fue el resultado de seis meses de investigación, en los cuales se llevaron a cabo distintos prototipos. Además, durante ese periodo se coordinaron las difernetes organizaciones locales y se produjo todo el material del pabellón, que finalmente se construyó en tan solo dos días.

El proyecto estaba compuesto con piedras del propio lago, madera y baldosas de cerámica, todo ello para asegurar un impacto mínimo y reversible en el lugar. En palabras del propio arquitecto, «un proyecto diseñado para tocar el paisaje ligeramente, sin afectar el lecho natural del lago». El interior de la cúpula, que sólo es visible dentro del agua, se construyó con 150 baldosas cerámicas. Esmaltadas en azul marino y fabricadas a mano, su relieve cristalizado parecía adoptar movimientos que dialogaban con la propia agua y topografía.

En resumen, toda la propuesta técnica y logística fue un logro nacido de la colaboración entre la École Polytechnique fédérale de Lausanne (EPFL) y la Haute école d’art et de design – Genève (HEAD). Más particularmente entre los laboratorios ALICE y LHT3, el Centro de Experimentación y Realización en Cerámica Contemporánea y el municipio de Saint Saphorin.

Todas las imágenes están realizadas por Alexander Wolhoff

El Museo Nacional de Cerámica González Marti y la Word Monuments Fund presentan la exposición itinerante «Gaudí & Trencadís». Comisariada por Mireia Freixa y Marta Saliné, en un proyecto coordinado por Pablo Longoria, director del WMF en España, la muestra estará abierta al público del 2 de octubre de 2020 al 31 de enero de 2021 en el Palacio del Marqués de Dos Aguas de Valencia.

La exposición que ahonda en el origen y evolución del trencadís, redescubre la materia prima a partir de la cual se compone esta técnica, y nos muestra como el arquitecto catalán Antonio Gaudí (1852-1926) experimentó con todo tipo de materiales, en especial la cerámica. El trancadís una de las imágenes que mejor identifican la obra del arquitecto Antoni Gaudí, fue usada por primera vez en los pabellones de la Torre Güell de 1883. Desde entonces, su uso se fue extendiendo en multitud de obras sus obras, sustituyendo el corte regular de la tradicional tesela del mosaico por el fragmento azaroso. Fue entonces cuando, entorno al arquitecto surgió todo un equipo de artesanos, industriales y peones ‒destacando el arquitecto Josep M. Jujol‒, con quienes compartió creatividad y su afición por el reciclaje de los materiales desarrollando múltiples proyectos: el Palacio Güell, la Torre Bellesguard, la Casa Batlló, el Park Güell, la Casa Milà Segimon, Casa Vicens, la iglesia de la Colonia Güell y la Sagrada Familia.

A una hora al sur de Nápoles, en la Costa de Amalfi, se encuentra la fabrica de Ceramica Artistica Solimene, el único edificio europeo diseñado por el arquitecto italiano Paolo Soleri.

Enfocando el diseño de forma holística, Soleri utilizó materiales locales y disponibles. Esta era, por supuesto, la cerámica, que usó como elemento decorativo dominante del edificio. En voladizo en la colina, la estructura ondulada del edificio y la fachada de azulejos dan la apariencia de un lagarto gigante empapado en el sol. El interior de la fábrica de cerámica se abre en un espacio noble, casi como un templo, con poderosos pilares en forma de Y, que son los soportes de toda la estructura.

El diseño para Ceramica Artistica Solimene de Paolo Soleri, no no sólo hace referencia a su mentor Frank Lloyd Wright, sino también al radical barroco italiano de Francesco Borromini y Guarino Guarini con sus curvas cóncavas y convexas. La fachada, compuesta por baldosas circulares de terracota y verde, tiras de vidrio de mosaico y ventanas en forma de rombo, la fábrica del color de la tierra se funde eficazmente en el paisaje mediterráneo mientras que los grandes ventanales inundan el edificio con luz natural.

El redescubrimiento del conjunto de mosaicos cerámicos del Palauet Nolla en Meliana, constituyó una verdadera revelación, tanto por su carácter único en cuanto a superficie y calidad, como por el significado social e industrial que de ellos se desprendía. Esta antigua alquería del s.XVII llegó a convertirse en símbolo de la famosa fábrica de mosaicos Nolla. Dejó entonces de ser un sencillo edificio histórico de la huerta valenciana, para transformarse en showroom de una empresa cerámica que recibió la visita de numerosos personajes ilustres de la segunda mitad del s.XIX.

Después de varias décadas de abandono, la estructura estaba profundamente dañada, y parte de la decoración había sufrido un gran deterioro. El estado de conservación era crítico. Para revertir este proceso de pérdida, un grupo de arquitectos, restauradores y expertos ceramistas, encabezado por Xavier Laumain (ARAE Patrimonio y Restauración), iniciaron en el año 2011 las intervenciones destinadas a recuperar este monumento único. Desde entonces se han realizado una decena de fases, que han permitido consolidar el edificio y reconstruir y restaurar los distintos mosaicos de cerámica. Un trabajo de reproducción con las mismas técnicas que las utilizadas en origen y que han conseguido recuperar todo el esplendor del Palauet.

Video editado por Milena Villalba y Santi H Puig

Léa Mazy es una artista visual y diseñadora de productos que está desarrollando un método de impresión para la industria cerámica. Un nuevo enfoque que prevé inspirar y desafiar a más fabricantes a adoptar visiones sostenibles e innovadoras en los procesos de producción ya existentes.

The Production of Fatige es un proceso de impresión que revela el potencial creativo de la fatiga y sus inesperadas cualidades estéticas. Una técnica que hace una clara referencia al desvanecimiento de una impresora a medida que sus cartuchos de tinta se agotan. Para ello, la artista ideó una herramienta analógica y manual que reproduce los movimientos de una impresora con un movimiento de ida y vuelta. Como resultado del dinamismo mecánico y sistemático, cada impresión en el azulejo es la expresión de su propio ritmo de producción y por lo tanto de cansancio y fatiga. Todo ello lleva a desprender unas sorprendentes y sutiles variaciones de matices en los colores y patrones producidos.

Con su investigación, Léa pretende demostrar que «la industria de los azulejos es una gran plataforma para mostrar las posibilidades que ofrece este tipo de producciones más artesanales frente a los estándares de la fabricación en masa». «Cada azulejo se convierte en testigo de un resultado único», comenta la artista.

Los Premios Cerámica 2020, patrocinados por ASCER (Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos) contarán con un jurado de excepción. En esta edición presidirá el jurado el prestigioso arquitecto japonés Kengo Kuma, fundador de la prestigiosa firma de Tokio KKAA – Kengo Kuma & Associates, y su mano derecha en el estudio, Javier Villar.

El resto del jurado lo componen profesionales con una brillante trayectoria en el ámbito nacional como en el internacional, y con un amplio conocimiento del uso de la cerámica en la arquitectura: Jonathan Arnabat, socio fundador del estudio Arquitectura-G; la arquitecta, Izaskun Chinchilla; Daria de Seta, del estudio de arquitectura Garcés-de Seta-Bonet, y el reconocido interiorista Lázaro Rosa-Violán.

Con esta nueva edición, el objetivo de ASCER sigue siendo el de promover el uso de la cerámica española en obras ya construidas. Una labor que lleva acabo tanto dentro del territorio español como fuera de nuestras fronteras. En 2019, el ganador en la categoría de arquitectura fue el proyecto del Instituto de Investigación Sant Pau de PICHarchitects y 2BMFG Arquitectes. La XIX edición de los Premios Cerámica está abierta y pueden presentarse proyectos a través de la web www.premiosceramica.com hasta el 23 de octubre en cualquiera de sus tres categorías: Arquitectura, Interiorismo y Proyecto Fin de Carrera.

La torre residencial en 111W57th, con 1.428 pies de altura y 82 plantas, será uno de los edificios más altos de Nueva York cuando termine su construcción a finales de 2020. Momento en el que este edificio se convertirá en un nuevo y prominente hito local y regional.

La forma de la torre y su fachada diseñada por SHoP Architect es un atrevido enfoque innovador gracias a la utilización de la terracota. Con cerca de 43.000 piezas de cerámica esmaltada fijadas mecánicamente a un sistema de muro cortina de aluminio unificado, las columnas cerámicas se diseñaron conforme a una geometría de ondas tridimensionales generadas por un sistema computacional. Un patrón involutivo de ondas suaves que permitía el escalonamiento de estos elementos, consiguiendo un distintivo juego de brillos variable en toda su fachada. Finalmente, NBK Terracotta adaptó dicha idea geométrica para ajustarse a los parámetros específicos de fabricación de las piezas cerámicas.

En este port, FIELD Condition fotografía la colocación de las piezas cerámicas que rematan el muro cortina de este prominente rascacielos residencial.

Todas las imágenes están realizadas por  FIEDL Condition 

Second Hand es un proyecto artístico de Zhanna Kadyrova que comenzó en 2014 y que reflexiona y se compromete con el arte monumental soviético. Desde entonces, la artista ucraniana ha estado explorando «la historia de los edificios que han cambiado de propiedad y función» haciendo analogías visuales entre el objeto y el lugar. En concreto, su trabajo explora la relación entre la arquitectura y los paneles de mosaico de los proyectos de viviendas, instituciones y fábricas socialistas. Hoy en día, muchas de ellas se han convertido en unas construcciones en decadencia o en transición.

En este trabajo, la artista crea varios objetos que recuerdan la moda soviética de los años 60 y 70. Utiliza tanto baldosas de asfalto como de cerámica, material «de segunda mano» tomado predominantemente de esos lugares destruidos o abandonados.

Por último, la exposición funciona como un espacio de encuentro para estos materiales que ahora adquiere un nuevo significado histórico y simbólico. Bobinas de película, cerámica, fibras sintéticas, asfalto y hormigón construyen un marco para los objetos de ‘segunda mano’ de Kadyrova.  En definitiva, un resultado en el que el artista anima a los espectadores a ver los edificios antiguos y los desechos, bajo una nueva y llamativa luz.

Todas las imágenes están realizadas por Zhanna Kadyrova 

El Instituto de Cáncer de la London University College situado entre la clásica escuela de medicina de ladrillos rojos y el nuevo edificio Paul O’Gorman UCL, se encuentra revestido con una rítmica y ondulante terracota diseñada por GRIMSHAW.

La propuesta de fachada, influenciada por la ciencia y el estudio del cáncer, está compuesta de hojas verticales de piezas cerámicas. Colocadas en diferentes ángulos con respecto a la calle, las lamas se lee como una configuración vertical de ‘código de barras’ o secuencia genética. Por otro lado, estas piezas presentan unos agujeros a través de los cuales se introduce un tubo de acero inoxidable que las mantiene unidas. Una varilla que actúa como la espina dorsal de los siete segmentos extruidos de terracota que componen cada lama. De esta manera, el patrón de colocación se determinó mediante el estudios de la luz solar, con la intención de mitigar el impacto negativo de los rayos solares en el interior del edificio.

Finalmente, estas piezas resuenan con el edificio adyacente del siglo XIX de Waterhouse, el cual consideraba la terracota como un «nuevo y excitante material moderno». Por ello, el nuevo Instituto de Cáncer de GRIMSHAW continúa esa tradición de empujar hacia adelante los límites de la terracota en el campo arquitectónico.

A Factory As It Might Be es una nueva propuesta arquitectónica del colectivo Assemble, Granby Workshop y colaboradores que forma parte de la Academia de Diseño A/D/O en Brooklyn. La instalación toma la forma de una ‘fábrica modelo‘, equipada con una sola máquina: una extrusora, y un solo material: la arcilla.

De esta manera, la propuesta toma su nombre del artículo de William Morris de 1884 en el que imaginaba la fábrica ideal como una, donde se combinara trabajo, ocio y educación. En este ideal modelo, la improvisación se introduciría en el proceso de producción consiguiendo que cada componente fuera diferente, convirtiendo en una actividad creativa.

A Factory As It Might Be de Assemble, queda materializada en un sencillo edificio de acero galvanizado y madera, revestido de cerámica auto-producida. Un revestimiento de piezas extrusionadas, esmaltadas y cocidas gracias a un horno eléctrico en el mismo sitio de la producción. Todo ello plasma a la perfección la esencia de dicha ‘fabrica modelo’ que se auto abastece. Finalmente, junto con las demás macetas, pruebas y vasijas, la propuesta crea un edificio ricamente auto-decorado que es parte espacio de trabajo y parte expositivo.

Todas las imágenes están realizadas por Sam Nixon, Granby Workshop y Assemble.

En un pueblo cerca de Belo Horizonte, la capital del estado de Minas Gerais en Brasil, tiene su sede el Centro Inhotim de Arte Contemporáneo. Se trata de un proyecto fascinante en el que se ubican varios pabellones a lo largo de un parque, rodeado de un exuberante bosque nativo. La más reciente de estas instalaciones es la dedicada a Adriana Varejão (Río de Janeiro, 1964), una de las principales artistas contemporáneas del Brasil.

La obra de la artista se centra en el uso de azulejos de cerámica, tanto representados en pintura como componentes literales de la obra. Varejão ha citado una gama de inspiraciones, aludiendo a la colonización de su Brasil natal al presentar los azulejos azules y blancos traídos por los colonos portugueses. Con una atención meticulosa a la artesanía, la práctica de Varejão pone en escena la convergencia de binarios, entre lo geométrico y lo orgánico, lo hipnotizante y lo repulsivo.

En Caruaru, Adriana Varejão ha creado una sección transversal de un suelo de baldosas, con un sangriento desorden de entrañas por debajo. La geometría y el color frío de las baldosas se compensa con la naturaleza violenta, expresiva e irracional de la ‘carne’ de abajo. Varejão reitera este hecho haciendo hincapié en la memoria: nunca podremos disociar o disculparnos por las atrocidades de la colonización, la guerra y la injusticia.

En 2011, el Metropolitan Museum abrió las Nuevas Galerías para el Arte de las Tierras Árabes, que albergarían las colecciones de arte islámico del Museo. En el corazón de éstas se mostraría la principal característica de la arquitectura marroquí y del sur de España: Un patio medieval de estilo magrebí.

Este documental muestra un maravilloso viaje desde la antigua ciudad de Fez, Marruecos, hasta el museo de Nueva York. Un recorrido a través del arte islámico que refleja la construcción de un patio en el siglo XXI, impregnado de las tradiciones del pasado. Todo ello gracias a un grupo de artesanos —trabajadores del azulejaría histórica del norte de África y defensores de métodos artesanales poco comunes—. El resultado fue una geometría compleja en la que más de 70 azulejos crean un colorido motivo que se copia, se gira ordenando el patron que configura. Por lo que la belleza de este tipo de diseño se enfatizada con el trabajo artesanal de la mano. Una minuciosa labor que le da a los materiales y al lugar que crean, una calidez y valor añadido.

En definitiva, el Met rara vez se había comprometido en sus 140 años de existencia a instalar una obra de un grupo de artesanos vivos en el interior del museo. Un hecho que significa el objetivo de esta institución por preservar la tradición y crear un trabajo exquisito con materiales cerámicos, yeso y madera.

En una doble presentación del arte y la cultura china del pasado y del presente, la serie Melbourne Winter Masterpieces de la Galería Nacional de Victoria presenta los antiguos guerreros de terracota de China junto con una exposición de uno de los artistas contemporáneos más apasionantes del mundo, Murmuration de Cai Guo-Qiang.

«La siempre cambiante formación de 10.000 pájaros de porcelana en Murmuration parece encarnar los espíritus persistentes del ejército subterráneo,» dice Cai Guo-Qiang, «o quizás la sombra inquietante del pasado imperial de China. Pero en esta era de la globalización, ¿no están también formando un espejismo, una imaginación exotizada del otro cultural?«

Pueden volar en formación, pero un pájaro siempre será un conspicuo símbolo de libertad. Por el contrario, el ejército guardián de Qin Shihuang es un remanente de un sistema político que prefigura todos los estados totalitarios de la historia. Murmuration, hecha a mano por Cai Guo-Qiang ondula aquí y allá, imitando suavemente la poderosa silueta del Monte Li. Yuxtapuestos, los antiguos soldados y la bandada contemporánea se unen para formar un nuevo meridiano.

El edificio 24 de la mítica calle de Savile Row es un tributo a las icónicas sastrerías del barrio de Mayfair en Londres, lugar donde se encontraban los más exclusivos fabricantes de trajes de la ciudad. El proyecto de EPR Architects aúna arte y arquitectura para crear un nuevo edificio revestido con más de 10.000 azulejos de cerámica esmaltados a mano.

Stephen Pey (Director de EPR) junto la renombrada artista Kate Malone  y el alfarero Richard Miller (Froyle Tiles) formaron un triangulo de trabajo, definiendo colores y esmaltes para conseguir la composición exacta de los efectos a conseguir. A continuación, una vez elegido el acabado final, empezó un extenso período de diseño, pruebas y producción para garantizar que los resultados obtenidos en el estudio del alfarero pudieran reproducirse arquitectónicamente en un azulejo de 30 x 30 cm. Finalmente,  los cristales tridimensionales que se generan tras el proceso de cocción, producen en las piezas unos contrastes de color, textura y patrón que consiguen reflejar y refractar la luz, cambiando la apariencia y el tono del edificio, dependiendo del tiempo y la hora del día.

En este vídeo, Pey y Malone, hablan sobre la naturaleza de su trabajo y colaboración en el diseño del edificio de Savile Row.

Situada en una tranquila calle residencial, la Casa Obayashi esconde una colaboración especialmente innovadora. La vivienda siempre ha sido una tipología recurrente en la arquitectura de Ando. Hoy en día, como parte de una nueva tendencia creativa, sigue diseñando casas pero contando con la contribución de reconocidos artistas. En esta ocasión, los espacios de hormigón y vidrio característicos de Tadao Ando se ven interrumpidos en el centro de la vivienda, en forma de N, por la obra Tile for Yu-un del artista Olafur Eliasson como «revestimiento» del patio de esta casa-galería de Tokio. La forma de las baldosas, basada en una estructura que llena el espacio llamada «cuasi-ladrillo», se desarrolló durante muchos años de investigación y es una geometría que se repite a menudo en la obra de Eliasson.

A medida que la luz natural cambia a lo largo del día, la noche y las estaciones, también lo hacen los interiores. «Espero que cuando los huéspedes entren en la casa sientan una sensación de expectación y emoción», confiesa Tadao Ando. Las piezas cerámicas esmaltadas en color platino y fabricadas por Petersen Tegl, se pueden rotar en seis posiciones diferentes, creando un patrón muy complejo a través del azar que favorece los reflejos y juegos de luces en el interior de la vivienda. En definitiva, la obra de Olafur aborda a través de estos pequeños elementos cerámicos la multifacética vida del empresario-coleccionista de arte, el Sr. Obayashi.

Material Processes and Systems (MaP+S) es una unidad de investigación que promueve la comprensión y el desarrollo de tecnologías innovadoras aplicadas a la arquitectura. Su punto de partida en cada diseño siempre es la materialidad, poniendo especial interés en los procesos de fabricación robóticos y controlados numéricamente por ordenador. Siguiendo esta línea de investigación, el grupo dirigido por Martin Bechthold también centra su trabajo a pequeña escala desarrollando nanomateriales. En esta ocasión, el proyecto ha sido desarrollado por MaP+S junto con el Instituto de Tecnología Cerámica de Castellón (ITC). Morfologías Cerámicas explora las oportunidades de diseño de una novedosa estrategia de impresión cerámica en 3D. El pabellón muestra de esta manera el potencial expresivo de este innovador procedimiento para materializar espacios.

La forma y el diseño son producto de la investigación relacionada con el rendimiento térmico de los espacios ventilados naturalmente. Su forma facilita el movimiento ascendente del aire, y la geometría interior influye en el intercambio térmico entre el aire ambiente y la masa interior. En cambio, la textura contorneada y sinusoidal de la superficie interior optimiza la relación entre esta y la masa térmica. Se trata de una manera de maximizar el potencial de enfriamiento mediante la ventilación natural y los efectos de flotabilidad.

El Departamento de Estudios de Azulejos Cerámicos de Madrid, se creó como resultado del acuerdo alcanzado entre la Universidad Politécnica de Madrid y ASCER. En su afán de promover nuevas formas de innovación, el IX Congreso Internacional de Cerámica y Arquitectura da continuidad a un proyecto de muchas ediciones. Así, la Escuela de Arquitectura de Madrid acoge este encuentro los días 21 y 22 de abril bajo el lema «Cerámica, Artesanía y Tecnología».

Este encuentro invita a investigadores, doctorandos, artistas, ingenieros, escritores, historiadores, sociólogos y otros profesionales de las disciplinas relacionadas con la Arquitectura. De esta manera, se busca compartir experiencias relacionadas con la investigación, innovación, construcción y aplicación compositiva de materiales cerámicos no estructurales en la arquitectura contemporánea.

Por un lado, el IX Congreso Internacional de Cerámica y Arquitectura tiene como objetivo situar la cerámica en un contexto arquitectónico desde una perspectiva histórico-artística. Por este motivo, tendrá lugar un encuentro de maestros que han empleado materiales cerámicos, restauraciones de edificios cerámicos, colaboración entre arquitectos y ceramistas. Su intención también es promulgar el trabajo de los arquitectos contemporáneos que han utilizado la cerámica en su trabajo profesional o académico.

La Feria Internacional de Cerámica para Arquitectura, Equipamiento de Baño y Cocina, CEVISAMA 2020, volverá a convertir a Valencia en capital de la arquitectura del 3 al 7 de febrero. No sólo porque reunirá la más amplia oferta de productos de las últimas ediciones, sino porque ha conseguido cerrar un espectacular cartel para su III Foro de Arquitectura y Diseño, que volverá a estar comisariado por Luis Fernández-Galiano, Director de la revista AV/Arquitectura Viva.

Con el objetivo de atraer a más gente a la Feria, CEVISAMA Lab, el motor de ideas de CEVISAMA, a conseguido reunir algunos de los nombres más destacados en la construcción y el interiorismo. Este año el Foro contará con personalidades como los Premios Pritzker 2005 y 2017: el estadounidense Thom Mayne y el estudio catalán RCR. Además, contará con la presencia del influyente arquitecto danés Bjarke Ingels, el galardonado equipo Barozzi/Veiga y otros como Belinda Tato, Benedetta Tagliabue y Antón García-Abril. El III Foro de Arquitectura y Diseño tendrá lugar los días 4 y 5 de febrero en Feria Valencia.

De este modo, la 38ª edición se convierte en un encuentro imprescindible para distribuidores, promotores, arquitectos, diseñadores, estudiantes e investigadores en el ámbito internacional del sector cerámico.

Gateway, de la artista portuguesa Joana Vasconcelos, es una obra de arte integrada en un caprichoso jardín y el resultado de colaborar con Jupiter Artland. La intervencvión, una piscina de nueve metros, se encuentra rodeada por un seto de Tejo que enmarca y delimita toda la composición.

«Gateway es una salpicadura que invita al público a sumergirse en una dimensión alegre, que conduce a una conexión con la energía de la Tierra. Es como un umbral hacia otro universo del que no somos conscientes pero a través del cual podemos fluir», afirma Vasconcelos.

La construcción está realizada con 11.366 azulejos pintados y esmaltados a mano, todos ellos elaborados al modo tradicional en una fábrica centenaria en el país natal de la artista. Cada azulejo, diseñado con un patrón único, fue desarrollado por Viúva Lamego y Atelier Joana Vasconcelos para una ubicación específica dentro de la composición. Como gran parte de la obra de la portugesa, Gateway es el resultado es un vasto trabajo colectivo que pone en valor la estrecha colaboración entre la industria, artesanos y artistas.

Todas las imágenes están realizadas por Joana Vasconcelos, Dário Branco y Allan Pollok-Morris

De obra: Cerámica Aplicada a la Arquitectura vuelve una vez más. Compartimos con vosotros la última entrevista realizada con motivo de la exposición, celebrada en el Museo del Diseño de Barcelona en 2017. En esta ocasión, Toni Cumella profundizará en el material cerámico desde su experiencia como ceramista y fabricante.

Para el catalán, los materiales cerámicos siempre han fascinado a las mentes más creativas, que han visto como un reto el aprovechar el legado de este material para proyectarlo al futuro con nuevos sistemas de producción, técnicas de colocación, formatos y aplicaciones. Todo esto es especialmente evidente en el campo de la arquitectura, donde en las últimas décadas hemos visto cómo se han redescubierto sus posibilidades.

Este hecho sobre la arcilla y su capacidad de ser extruida, moldeada, modelada y manipulada, es fundamental para considerar el trinomio: material-industria-construcción. Por ello, Toni Cumella nos habla en este vídeo sobre la geología, los lugares, la química, los sistemas de producción, las técnicas, los fundamentos, la forma y el fuego. Además, el ceramista reflexionará sobre la manera de cómo divulgar este conocimiento entre los estudiantes e investigadores del campo de la arquitectura.

El Building Centre celebra el resurgimiento de la cerámica en la arquitectura contemporánea a través de Hand Held to Super Scale: Building with Ceramics. La exposición, que reúne a artistas, artesanos y fabricantes se puede visitar desde el 19 de septiembre de 2019 hasta enero de 2020.

La muestra explora una estrecha conexión entre objetos cerámicos e intervenciones urbanas a gran escala. También desde los objetos domésticos vidriados que inspiran fachadas enteras de edificios hasta los fabricantes que utilizan procesos escalonados familiares a los ceramistas de estudio. Tanto los métodos de producción tradicionales como la tecnología innovadora son igualmente acogidos en la muestra. De esta manera, en un mismo espacio se combinan piezas artesanales junto a la producción de cerámica en masa y la tecnología robótica. Proyectos recién terminados, edificios en construcción y ejemplos clásicos de la cerámica en la arquitectura se unen para contar la historia de la cerámica.

Hand Held Held to Super Scale: Building with Ceraimcs es una exposición comisariada por el equipo de exposiciones del Building Centre y el Fettle Studio, fundado por Lydia Johnson. Las prácticas y los artistas presentados incluyen: AHMM, Assemble, Toni Cumella, EPR Architects con la ceramista Kate Malone, Eric Parry Architects con el artista Richard Deacon, entre otros.

El pasado 20 de noviembre tuvo lugar en Castellón el fallo de los Premios Cerámica ASCER 2019, presidido por el arquitecto Jacob van Rijs (MVRDV). Inês Lobo, David Lorente, Eugeni Bach, Héctor Ruiz Velázquez, Tomoko Sakamoto y Ramón Monfort conformaban el resto del jurado.

En esta ocasión el estudio de arquitectura PICH Architects fue galardonado con el premio Cerámica de Arquitectura por su proyecto “Centro de Investigación del Hospital Santa Creu i Sant Pau” en Barcelona. El jurado valora el uso innovador de la cerámica y el contexto en el que se utiliza el material, mimetizándose con parte del entorno. Esta piel permeable permite la comunicación con el entorno a nivel visual pero a su vez, le da una identidad camaleónica con el exterior.

El proyecto ganador en la categoría Interiorismo de los Premios Cerámica ASCER 2019 es “Sala de espera en las dársenas de una estación de autobuses” de José María Sánchez. El jurado valora la elegancia en la resolución de un proyecto a través del diseño de una pieza cerámica. Por último, en la categoría PFC el proyecto premiado ha sido “Memento Mori” de Óscar Cruz García de la ETSA Madrid. El cuidado en el detalle se convierte en el hilo conductor de una secuencia de espacios donde se funden naturaleza, materialidad y atmósfera.

La esencia de la técnica de construcción tradicional para producir piezas contemporáneas permanece intacta en la instalación Making Solo de Studio Errante Architettura. Este grupo de jóvenes arquitectos fundado por Sarah Becchio y Paolo Borghino tiene su sede en Turín y desarrolla proyectos a diferentes escalas, con especial interés en la parte narrativa del proyecto.

Entendiendo la arquitectura como una forma de pensar la realidad, cada proyecto es un descubrimiento en el que se condensan las experiencias anteriores y que, sobre todo, se abre a escenarios inesperados. En particular, en este trabajo, Becchio y Borghino reinterpretan la producción de piezas cerámicas de tradición creando nuevas formas que permiten diseños innovadores.

«El vacío dejado por la industria en algunas formas de producción es claro. Pero es esta brecha la que nos permite ofrecer en el proyecto Making Solo formas inesperadas a través del uso de técnicas tradicionales que pueden ser reinventadas. El retorno a la conciencia del proceso de hacer es el único acto político de reapropiación de cualquier futuro. El proceso de hacer y el resultado sólo pueden coincidir. Mente, manos y ojos en un antiguo ritual. Un horno, un laboratorio primordial. Un refugio feliz con la experimentación. La realización simbólica de una nueva actitud de hacer, en la que el rito fluye hacia una imagen arquetípica. Sin nostalgia, sólo haciendo».

El Laboratorio de Diseño Bio-Integrado de la Bartlett School of Architecture ha creado un sistema modular de baldosas que filtran los elementos contaminantes del agua purificándola a su paso. Este sistema, llamado Indus, ha sido diseñado por un equipo interdisciplinar dirigido por la Dra. Brenda Parker, el Profesor Marcos Cruz y Shneel Malik.

Las piezas, fabricadas prensando arcilla sobre moldes, adquieren forma de abanico con una serie de canales en forma de vena, imitando la capacidad de las plantas para distribuir el agua uniformemente. Cada una de las unidades que constituyen el sistema se unen a las siguientes mediante juntas de media solapa, posibilitando su recambio individual sin alterar el sistema. Este aspecto, junto con el de la reutilización son fundamentales, ya que permite un fácil mantenimiento y adaptación a las limitaciones del entorno local para el que está pensado el producto. Por último, la baldosa cerámica, cocida, se completa rellenando los intersticios y los canales con un hidrogel derivado de algas marinas.

Una vez construido el sistema Indus el agua fluye por los cordones de hidrogel y los microorganismos descomponen los contaminantes del agua, proceso conocido como biorremediación. Finalmente, cuando el hidrogel se satura de partículas desechables, los artesanos lo reemplazan con el objetivo de empezar un nuevo ciclo.

Cuatro siglos de alfarería tinajera convierten a Villarrobledo en un referente mundial de este saber ancestral para la creación de estas singulares piezas. Únicas por sus características y técnica de elaboración, fueron en otra época el recipiente por excelencia para la elaboración y conservación del vino.

La industria tinajera ha evolucionado a lo largo de los siglos, pasando de ser una actividad artesanal que fabricaba pequeñas piezas para almacenar todo tipo de productos, a convertirse en una actividad gremial. La gran cantidad de hornos que existían así lo demuestran, lo que refleja la importancia de esta industria hasta la primera mitad del siglo XX. Asimismo, la calidad y cantidad de la arcilla existente en esta localidad contribuyó de manera decisiva a promover la evolución de este comercio.

Hoy en día, la alfarería tinajera sigue utilizando la misma arcilla que antaño, aunque su extracción se ha modernizado, sustituyendo al hombre por la máquina. Lo que se ha mantenido es la elaboración de las tinajas, así como el uso de una arcilla en particular que destaca por su resistencia. De esta forma se obtiene un material resistente, capaz de resistir las altas temperaturas necesarias para la cocción de las piezas, con un tacto suave y sin porosidades.

El Laboratorio de Fabricación y Tecnologías de Materiales de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Hong Kong ha finalizado recientemente su segunda intervención fabricada robóticamente llamada «CeramicINformation Pavilion». El objetivo es conciliar la inteligencia material de las artesanías vernáculas con la especificidad y flexibilidad que prometen las tecnologías digitales de diseño y fabricación.

Esta iteración en particular explora el proceso de construcción y busca encontrar un nivel de automatización adecuado para las economías emergentes y en transición. Cada uno de los aproximadamente 1000 componentes que componen la estructura experimental es único y tiene una relación inmanente específica con sus vecinos. Este enfoque permitió que la compleja construcción se realizara en un corto período de tiempo, sin la necesidad de los típicos dibujos arquitectónicos. Los ladrillos de se fabricaron 20 días antes de que los elementos ligeros se enviaran a la obra y se ensamblaran en la pared multifacética.

Como punto de partida, el proyecto CeramicINformation Pavilion examinó el ladrillo de terracota en China y exploró su remodelación a través de la impresión 3D. El proyecto no sólo pone de relieve las nuevas posibilidades de expresión arquitectónica, sino también la capacidad que tienen estos sistemas para cambiar la forma en que modelamos el entorno construido.

Desarrollado por investigadores y estudiantes del Grupo de Procesos y Sistemas de Materiales (MaP+S) de la Harvard Graduate School of Design, Tile Grid Shell explora las capacidades estructurales de las baldosas cerámicas de gran formato, un producto comúnmente utilizado como acabado de superficie interior o revestimiento exterior. En otras palabras, Ceramic Tectonics se pregunta; ¿puede un producto utilizado comúnmente como una superficie bidimensional definir un espacio tridimensional?

Baldosas cerámicas de 6 mm de espesor sin reforzar forman la catenaria de esta carcasa de rejilla triangular autoportante, diseñada para minimizar las tensiones internas y cubrir eficientemente a partir de tres puntos de apoyo. Por lo tanto, consta de 462 elementos únicos que van de 82 a 181 cm de largo y 107,22 m2 de superficie total. Asimismo, la estructura pesa aproximadamente 1.662 kg con una altura interior máxima de 2,48 m. Con una luz de 6 m entre soportes, la estructura incluye aproximadamente 13,5 m2 de espacio interior habitable. Tile Grid Shell forma un novedoso patrón estructural formado por 30 nervaduras cerámicas que constituyen el primer sistema mundial construido a partir de cerámica. Ciertamente, este proyecto muestra cómo las aplicaciones estructurales están emergiendo como nuevas aplicaciones para las baldosas, desafiando percepciones ancestrales de la cerámica como acabado superficial.

Edmund de Waal es un artista que escribe. Con sede en Londres, se formó como alfarero, estudiando cerámica en Daiwa Anglo-Japanese Foundation Scholarship en Japón. Su obra artística ha definido nuevos caminos a través de su compromiso crítico con la historia y el potencial de la cerámica, así como con la arquitectura.

El artista inglés, cuya obra se exhibe frecuentemente en museos y galerías, ha desarrollado una reputación internacional como maestro de la cerámica. Además, ha ampliado los límites de las ideas preconcebidas de su disciplina, cuestionando la narrativa de un objeto, su lugar y cómo se exhiben.

Su trabajo con la porcelana es un viaje de toda una vida que ofrece una visión especial sobre el tiempo, la memoria y el viaje de los objetos, recordando al espectador que el contexto es parte integral del significado del arte. Así, de Waal investiga continuamente temas de diáspora, memorial, materialidad y sobre todo el color blanco con sus intervenciones y obras de arte. «Otras cosas en el mundo son blancas, pero para mí la porcelana es lo primero»

En este vídeo se muestra una visión única dentro del estudio del artista donde habla con Will Rycroft sobre su obsesión por la porcelana.

CERSAIE 2019, la Exposición Internacional de Cerámica y Muebles de Baño, se ha celebrado en Bolonia del 23 al 27 de septiembre. En esta 37ª edición, el nuevo diseño del formato ha ido acompañado de la ampliación del recinto ferial. Así, Archincont(r)act se presentó como un espacio expositivo que se suma a los espacios existentes dedicados a la arquitectura y a los equipamientos de baño.

Durante la presentación oficial de la edición 2019, Emilio Mussini, de Confindustria Cerámica, anunció: «El cambio es de carácter conceptual, para que la feria más importante del mundo de la cerámica y el mueble de baño evolucione hacia un método expositivo innovador. El avance es profundo, de carácter estructural y se refiere a las categorías de productos, a la disposición de las exposiciones y a los públicos de referencia».

En resumen, esta feria de Bolonia con más de 900 expositores, CERSAIE 2019, es una de las más importantes del mundo. Desde 1982, este encuentro anual ha contribuido a promover el reconocimiento de los materiales cerámicos, inspirando los proyectos arquitectónicos y de diseño más exigentes.

ASCER (Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos) convoca los Premios Cerámica 2019 de Arquitectura, Interiorismo y Proyecto Fin de Carrera. Así, la finalidad de los Premios Cerámica es difundir el uso de la cerámica española en obras de arquitectura e interiorismo.

El jurado lo componen reconocidos profesionales de la arquitectura y el diseño a nivel internacional. Así, lo preside Jacob van Rijs, socio fundador del prestigioso estudio MVRDV con sede en Rotterdam y que cuenta con una dilatada trayectoria internacional. Además, el resto del jurado se compone por: Inês Lobo; arquitecta portuguesa; David Lorente, del estudio H Arquitectes; Eugeni Bach, de Bach Arquitectes; Héctor Ruiz Velázquez, alma máter de Ruiz Velázquez Architecture & Desig Team; Tomoko Sakamoto, editora especializada en arquitectura; y Ramón Monfort, del Colegio de Arquitectos de Castellón.

En la última edición de los Premios Cerámica resultó ganador en la categoría de arquitectura el proyecto para la entrada a la estación intermodal de Palma de Mallorca del arquitecto Joan Seguí Colomar. Este año, el plazo de inscripción de los XVIII Premios Cerámica queda abierto y la fecha límite para la presentación de proyectos es el 24 de octubre de 2019.

Con la ayuda del Arts Council England, se lanzó la primera exposición itinerante de la Joanna Bird Foundation titulada Marking the line; Ceramics and Architecture. Este proyecto fue concebido como una exposición en honor a Sir John Soane, uno de los arquitectos más ilustres de Gran Bretaña. Inaugurada en el Museo de Sir John Soane, la muestra se trasladó a otras dos viviendas diseñadas por Soane: Port Eliot y Pitzhanger Manor.

La Fundación encargó a los artistas Nicholas Rena, Carina Ciscato, Clare Twomey y Christie Brown la creación de instalaciones que respondieran a la vida y obra de Sir John Soane. Pero sobre todo, lo que la exposición trató de cuestionar fue la diferente percepción de las obras de arte antiguas y modernas. El hecho de introducir arte contemporáneo en un entorno arquitectónico histórico permitió que los visitantes pudieran explorar el vínculo entre la cerámica y la arquitectura.

Como resultado, se demostró que existen diferentes diálogos entre la obra y su entorno histórico a medida que la exposición se trasladaba de un lugar a otro. Marking the line ha mostrado a mucha más gente el legado de Soane, incluyendo sus casas en Holborn y Pitzhanger Manor.

ACAW es un taller de investigación y desarrollo para especialistas en revestimientos que pretende explorar el uso de la terracota en el diseño de fachadas. Representantes de la industria y el mundo académico se reúnen en Buffalo para dar lugar al Taller de Asambleas de Cerámica Arquitectónica. Así, presentado por Boston Valley Terra Cotta y la Buffalo School of Architecture and Planning, el ACAWorkshop tendrá lugar del 12 al 15 de agosto de 2019.

El objetivo del workshop es introducir y considerar las propiedades de la terracota al principio del proceso de diseño arquitectónico. También se desarrollan tareas de investigación entre la industria manufacturera y la arquitectónica, puesto que resulta útil para el diseño de fachadas de alto rendimiento. A través del desarrollo de prototipos, la exploración de los equipos incluye el uso de nuevas herramientas digitales en la producción de ensamblajes de terracota. El desarrollo de sistemas de fachadas unificadas así como la materialidad variable de la terracota puede informar y mejorar el rendimiento de una fachada.

Como en ediciones anteriores, ACAWorkshop 2019 culmina con un evento de una semana de duración, en el que los equipos construyen modelos de sistemas a partir de sus prototipos y presentan sus estudios a sus colegas de la industria.

El proyecto 3D Printed Cabin reúne muchos de los experimentos informáticos de Emerging Objects para demostrar el potencial de la fabricación aditiva en arquitectura. Debido a una emergencia residencial en Oakland, el Ayuntamiento de la ciudad disminuyó las restricciones para la construcción de unidades de vivienda secundarias. De ahí que proliferaran numerosos proyectos que pretenden estudiar y abordar los problemas residenciales a una escala microeconómica.

En este proyecto, el revestimiento frontal se ha compuesto por una serie de baldosas para crear una fachada ajardinada pensada para el clima de California. Sin embargo, el techo y el resto de paramentos exteriores están revestidos con tejas de semillas impresas en 3D. El interior, a su vez, se compone de un revestimiento Chroma Curl Wall, que ilumina tanto el interior como el exterior, convirtiendo la cabina en un faro de luz.

En la 3D Printed Cabin, el código G se utiliza para controlar cada línea de arcilla, ya que la impresión 3D permite crear una textura que simula tener semillas esparcidas por toda la superficie. Aunque todas las baldosas de cerámica se imprimen a partir del mismo mecanismo, cada baldosa es intencionalmente única como producto de fabricación. Así, la impresora crea bucles más largos y más cortos hacia el final de cada baldosa, produciendo una textura distinta que es diferente cada vez.

La artista estadounidense Sarah Sze materializa en Blueprint for a Landscape su obra con vocación más pública y desafiante hasta la fecha. Comisionada por la MTA Arts & Design para colaborar en el diseño de instalaciones expuestas en las estaciones existentes a lo largo del Upper East Side de Manhattan, la autora afirma: «Una estación de metro es uno de los lugares más democráticos que se pueden encontrar. Tiene audiencias locales periódicas así como internacionales y puntuales. Siempre es un descubrimiento, visto en tránsito, no un destino para ver arte».

Blueprint for a Landscape entiende cada entrada junto con la plataforma de conexión como una oportunidad para estudiar nuestro comportamiento a través del espacio. El proyecto consta de 4 murales y 12 paneles que suman un total de 4.300 azulejos en dos formatos diferentes (20 milímetros de espesor). Estos azulejos y baldosas porcelánicas fabricados por Alcalagres y Estudio Cerámico cuentan en total con una superficie aproximada de 14.000 metros cuadrados.

Las piezas cerámicas incorporan fotografías manipuladas de objetos familiares capturados a gran velocidad que reflejan el ritmo vertiginoso de los pasajeros que concurren la estación a diario. «Estaban obsesionados con esta idea de la aceleración de la experiencia del tiempo, sobre todo a través del tránsito», concluye Sze.

La artista portuguesa Dalila Gonçalves ha diseñado «Kneaded Memory», un jardín de esculturas que se exhiben actualmente en la plaza Blankenbergue de Flandes. La instalación se compone de una serie de cuerpos rocosos que se asemejan a piedras y fragmentos con diferentes formas y tamaños.

Para desarrollar la instalación se mapeó la superficie y se moldearon las piezas cerámicas para que se ajustaran perfectamente a estos sólidos irregulares. De esta manera, se generó una cuadrícula para señalar dónde se colocaría cada componente decorativo de forma permanente. Es a través de esta conjugación que Goçalves buscó conectar la narrativa belga con la relación artesanal portuguesa con la incorporación de la baldosa cerámica. De hecho, parte de las superficies de estas formas están cubiertas con los azulejos manufacturados que típicamente adornan las vibrantes fachadas de su país natal.

A partir del juego experimental, de la permeabilidad de los materiales y de los procesos de la práctica artística, Dalila Gonçalves profundiza con su instalación «Kneaded Memory» en la relación entre memoria, recuerdo y olvido.

Gaia es el primer módulo arquitectónico basado en tierra bruta e impresión en 3D realizado por WASP (World’s Advanced Saving Project). Se inicia así una nueva aplicación tecnológica a mejorar con vistas a la Expo 2020 de Dubai. La casa impresa mediante eta tecnología mide 30 metros cuadrados y está situada en Massa Lombardo, Shamballa, en la región de Emilia-Romaña, Italia. Su objetivo es ayudar a resolver el problema de la vivienda en el mundo mediante el uso de materiales locales como la arcilla, de bajo costo y bajo impacto. En este sentido, el uso de esta tecnología no se limita a un contexto urbano o rural específico.

La construcción en cuestión representa un modelo eco-sostenible avanzado, basado especialmente en las prestaciones que la albañilería garantiza en términos de confort al interior de la vivienda. Este método supone una reducción sustancial de los costes inducidos por el uso de tierra cruda y residuos de la cadena agrícola.

La tecnología de impresión 3D  utilizada demuestra en este proyecto su potencial uso con dichos materiales. De hecho, los materiales de desecho de una materia prima como el arroz pueden convertirse en un aislamiento eficaz. Además, las cavidades dentro de las paredes permiten la ventilación en el interior de estos muros aumentando la eficiencia en general. En este sentido, dispuesto a interpretar su visión de una manera compatible con las demandas de cada cliente, WASP pretende iniciar la construcción de un eco-barrio.

Infinity Blue, la obra diseñada por Grimshaw Architects y el Studio Swine, forma parte de la exposición Invisible Worlds, título que remite al mundo más allá de nuestros sentidos. La instalación, de 20 toneladas y 9 m de altura contiene 32 cañones “vortex” programados para exhalar anillos de niebla perfumados. Se trata de una manera de representar al organismo que proporciona el oxígeno que tomamos en cada respiración.

La escultura está inspirada en la atmósfera prehistórica de la tierra y es el resultado de la investigación sobre uno de los primeros  organismos en producir oxígeno. «Estábamos realmente interesados en las cianobacterias, diminutos organismos oceánicos que son invisibles a simple vista. Sin embargo, estos representan la mayor biomasa de nuestro planeta y crean el 70 por ciento de la atmósfera terrestre.»

La superficie de Infinity Blue, diseñada por Studio Swine, está revestida de azulejos de arcilla azul cobalto esmaltados con óxido y fabricados por Darwen Terracotta. Además, su textura está creada a partir de un algoritmo inspirado en los sistemas de reacción-difusión que se encuentran en criaturas como cebras o corales. Para los anillos de vapor, Givaudan, especialista en fragancias y sabores con sede en París, ha creado una fragancia a medida para la instalación.

Durante las obras del nuevo Portal Garibaldi en Milán, a principios de los años 60, se construyó una torre de agua en hormigón y cerámica. Hoy día, la restauración de la Torre Arcobaleno protagoniza el skyline que da la bienvenida a los visitantes, mostrando la actitud creativa de la ciudad.

La primera renovación de la infraestructura, que remite a los orígenes artesanales de la industria cerámica italiana, se realizó en el marco del Campeonato Mundial de Fútbol de 1990. De este modo, 100.000 azulejos de cerámica en 14 colores diferentes transformaron el edificio en ruinas en un símbolo de la ciudad. Veinticinco años después, coincidiendo con la Expo 2015, se realizaron nuevamente obras de restauración para que el edificio pudiera brillar en todo su esplendor.

El equipo Original Designers 6R5 Network fueron responsables tanto del diseño de la intervención en los años 90 como de su reciente rehabilitación. Además, la restauración de la Torre Arcobaleno forma parte del proyecto Wonderline, que vincula el arte y la arquitectura mediante temas como el color y la tradición.

Flight Assembled Architecture es la primera instalación arquitectónica ensamblada por robots voladores, libre del contacto con las manos humanas. La obra es el resultado de un riguroso diseño arquitectónico de Gramazio Kohler Research y un visionario sistema robótico de Raffaello D’Andrea.

Así, más de 1.500 módulos colocados por multitud de helicópteros quadrotor, responden a algoritmos matemáticos que traducen los datos de diseño digital al comportamiento de las máquinas voladoras. De esta manera, los robots se extienden como máquinas arquitectónicas «vivas» y completan la composición a partir de su dinámica de movimiento y rendimiento constructivo. El diseño, con una visión arquitectónica de un «pueblo vertical» de 600 m de altura para 30.000 habitantes se despliega como modelo a escala 1:100. Este pueblo de nueva fundación estaría situado en Meuse, aprovechando la conexión TGV existente que transporta a sus habitantes a París en poco tiempo.

Es a partir de esta búsqueda de un hábitat «ideal» autosostenible que los autores persiguen una nueva forma radical de pensar y materializar la verticalidad en la arquitectura. Flight Assembled Architecture se encuentra en el FRAC Center de Orleans, y pertenece al departamento dedicado a la creación de una colección de arquitectura experimental.

Formado inicialmente en pintura, Enric Mestre, nacido en 1936, estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y en la Escuela de Cerámica de Manises. Durante su etapa como estudiante de cerámica, conoció a Alfonso Blasco y conectó con los intereses artísticos de este ceramista que, en los años treinta, junto a otros como Llorens Artigas y Francisco Ibáñez, llevó a España a la corriente principal del arte cerámico moderno.

Mestre, tanto como profesor como practicante, ha llegado a ser considerado como un importante vínculo liberador entre esa generación formativa y la de las vanguardias más jóvenes de España y ha sido reconocido en todo el mundo por sus objetos escultóricos. Influenciado por la cerámica del Lejano Oriente, sus propuestas se basan en el uso de cuerpos de alta temperatura y en la investigación de nuevas vitrificaciones y esmaltes que hacen innecesario el uso de ornamentos pintados a la manera tradicional.

El arte de Enric Mestre es evocador: estructuras arquitectónicas en forma de caja, construidas con delgadas losas de colores austeros y dominadas por ángulos rectos. Objetos de geometría entrelazada, de luz y sombra, que crean cuadros a la imaginación con un encanto poético que los salva de ser sólo racionales y fríos. Aunque estos objetos son a menudo cuidadosamente planeados y desarrollados, Mestre insiste en la intuición, como si obedeciera a una especie de poética constructiva que restringe y controla las expresiones personales sin eliminarlas.

Coverings 2019 es el evento internacional de referencia para la industria del azulejo y la piedra natural en Estados Unidos ya que permite conocer novedades, contactar con proveedores de todo el mundo y descubrir nuevas técnicas en un mismo recinto. Además, Coverings también promueve la educación, incluyendo CEUs como: conferencias, workshops participativos, demostraciones en vivo y tours expositivos.

Año tras año, el programa educativo del evento incluye ponencias dedicadas a cada fase de producción para procurar que los asistentes se mantengan al corriente de las novedades y dispongan de todos los recursos que necesitan para mejorar en sus respectivos campos.

En esta edición, el evento tendrá lugar del 9 al 12 de abril en Orlando, Florida y los asistentes podrán reconocer los últimos productos, tendencias y herramientas de más de 1100 empresas y proveedores: Coverings 2019 exhibe pabellones de Estados Unidos, Italia, España, Turquía y Brasil. ¿Quieres encontrar inspiración? En Coverings descubrirás nuevas tendencias, texturas, formas y usos alternativos del azulejo, la baldosa y la piedra.

Diseñado por el arquitecto Daniel Isern, el nuevo Hotel Ohla Eixample se encuentra en el corazón del barrio del Eixample de Barcelona, en lo que fue un edificio de oficinas en los años 70.

La fachada es única en el uso de la robótica. «Con la ayuda de Cerámica Cumella y el IAAC hemos inventado un algoritmo que utiliza el sonido para crear una plantilla que un robot graba en la superficie de la baldosa cerámica mientras se extruye. Este proceso nos permite crear un número infinito de piezas, cada una única y diferente pero todas con las mismas líneas. Para esta pieza elegimos «Vivaldi Recomposed» de Max Richter, que, como nosotros, toma algo del pasado (en el caso de The Four Seasons de Vivaldi) y lo actualiza», dice el arquitecto Daniel Irsen.

Más de 800 piezas de diferentes tamaños conforman un gran rompecabezas de módulos cerámicos verticales, desdibujando el orden y el número de plantas. Este sistema se ha utilizado para crear el gran mural de cerámica que cubre toda la planta baja. La fachada cubre desde la recepción hasta el restaurante Xerta, pasando por la cafetería y el salón de cócteles.

En este vídeo se muestra cómo se hicieron estas piezas.

Cuyperspassage es el nombre que recibe el nuevo túnel de 110 metros que conecta la ciudad y los dos cauces del río IJ con la Amsterdam Central Station. A su vez, el diseño marca una clara diferenciación entre dos maneras de moverse por la ciudad: peatonal y carril bici.

A lo largo del camino peatonal del túnel se dispone un tapiz de azulejos diseñado por Irma Boom Office, y cuyo diseño se inspira en una obra restaurada por el artista  Cornelis Boumeester (1652-1733). Su panel de cerámica, que representa el Warship Rotterdam y el Herring Fleet se encuentra en la colección del Rijksmuseum, en Amsterdam y se difumina hacia el río Amstel, de forma que las líneas de la original ilustración se disuelven gradualmente: la combinación de los dibujos y los píxeles permiten visualizar la transición de lo antiguo a lo moderno desde un punto de vista artístico.

La empresa cerámica dedicó cinco años a la fabricación de los 46.000 azulejos que componen el tapiz, así como los 33.000 azulejos que forman el pavimento y que tienen las dimensiones tradicionales holandesas 13 x 13 cm. El proyecto diseñado por Benthem Crouwel Architects recuerda a las antiguas cocinas de las casas situadas en el canal de Amsterdam, por lo que el túnel se entiende como un lugar seguro, como una habitación urbana.

De obra. Cerámica aplicada a la arquitectura fue la primera exposición dedicada a los usos, funciones, simbolismo y estética de este tipo de cerámica, que abarca desde el mundo antiguo hasta la actualidad, especialmente del área mediterránea – incluyendo el próximo oriente.

En esta exposición, el Museu del Disseny ha querido destacar la importancia y el uso continuado de la cerámica en la arquitectura, así como la importancia de las antiguas tradiciones y la innovación en este campo a lo largo de los milenios. Por ello, la muestra cuenta con una selección de trescientas piezas cerámicas aplicadas a la arquitectura.

Compartimos con ustedes un video de la exposición De Obra. La cerámica aplicada a la arquitectura explicada por su comisario, el arquitecto Pedro Azara. La exposición, que se celebró simultáneamente con el 47º Congreso de la Academia Internacional de Cerámica de Barcelona, un evento que tuvo lugar en el edificio del Disseny Hub Barcelona, se celebró en el Museo del Diseño de Barcelona desde septiembre de 2016 hasta enero de 2017.

El Hotel Convento Salvador, situado en el barrio histórico de Alfama, es una rehabilitación de uno de los más antiguos conventos de Lisboa. El Convento do Salvador Centre pertenece, junto con el Hotel, a la Association for Children’s Cultural Promotion – APCC, y está decorado con obras de artistas como Ana Hatherly, Paula Rego, Pedro Cabrita Reis, João Pedro Croft y Julião Sarmento, entre otros.

Buscando homenajear la cultura portuguesa y combinando la tradición de azulejos y el diseño nacional y contemporáneo, se propuso al Estudio Pedrita (2005) la creación del panel que se expondría el hall del Hotel. De esta manera, siguiendo con el trabajo desarrollado con azulejos reutilizados y con el mismo planteamiento conceptual que los paneles hechos para el Capristanos caffé (2016) y el show Best Guess For This Image, el estudio continuó la misma línea de trabajo cautivados por la incertidumbre internacional que generaba la persona retratada.

Este vídeo muestra el diseño y proceso de fabricación del mosaico cerámico de la Reina Catarina, quien habría vivido en ese convento.

La Feria Internacional de Cerámica para Arquitectura, Equipamiento de Baño y Cocina CEVISAMA, se ha consolidado como la principal cita de la industria cerámica española, a la que se suman cada año las propuestas de expositores de otros países, animados por la recuperación del mercado español.

La 37ª edición de la feria, un encuentro imprescindible para distribuidores, promotores, arquitectos y diseñadores a nivel internacional tendrá lugar del 28 de enero al 1 de febrero de 2018 en Feria Valencia, donde se mostrarán las últimas innovaciones de todos los sectores relacionados con el sector cerámico.

Para atraer a más público a la feria, CEVISAMA Lab, motor de ideas de CEVISAMA, vuelve a contar con la presencia de algunos de los nombres más destacados de la arquitectura y el interiorismo como el Premio Pritzker Jacques Herzog, Enrique Sobejano, Carme Pinós, Dominique Perrault, Ángela García de Paredes y Josep Ricard. El II Foro de Arquitectura y Diseño tendrá lugar los días 29 y 30 de enero en Feria Valencia.

La artista neozelandesa Kate Newby, crea intervenciones escultóricas hechas a mano y construidas con crudeza, apropiándose de los materiales y de las expresiones vernáculas de la arquitectura. Las obras de Kate Newby son confrontaciones poéticas con condiciones espaciales e interacciones fugaces con la naturaleza. A través de pequeñas y radicales intervenciones en los ambientes existentes, la artista dirige nuestra visión a lo que a menudo se pasa por alto en la vida cotidiana. Los objetos que utiliza y crea son testimonios de experiencias individuales, quedando ligado el contexto específico del objeto a la obra resultante.

Con motivo de la exposición «I can’t clave the days down» en la Kunsthalle Wien Karlsplatz, Newby continúa su compromiso con las situaciones efímeras y a menudo periféricas. Por ello, creó una obra de gran formato instalada en el suelo del edificio Karlsplatz, utilizando el ladrillo como material artístico. La escultura se despliega como una textura material que invita al visitante a adentrarse en la obra, a moverse por la superficie y a encontrar sus detalles.

Un patio abierto con una galería, pensada especialmente para las nuevas exposiciones temporales internacionales, es el proyecto del estudio de Amanda Levete para el nuevo acceso al Victorian and Albert Museo.

La elección del material cerámico responde específicamente a la estructura del edificio original del museo y sus colecciones, incluyendo numerosos ejemplos de la cerámica del siglo XIX. Es por ello que decidió seleccionar este material para cubrir el nuevo patio del museo; su textura, su color blanco brillante y su fuerza inherente eran algunas de las características que estaba buscando. Se diseñaron más de 30 modelos diferentes, parcialmente esmaltados en 10 tonalidades de azul a verde llegando a tener más de 100 versiones.

Finalmente, costó dos años trabajando estrechamente con el fabricante Koninklijke Tichelaar, finalizar el diseño del azulejo y desarrollar una receta de arcilla que asegurara un rendimiento antideslizante. Además, se necesitaron otros dos años para superar los estándares británicos requeridos, probar la durabilidad de las baldosas y fabricar, a mano, las 14,500 piezas de pavimento. En este vídeo descubriremos el proceso de fabricación de las piezas.

El pasado 21 de noviembre de 2018 tuvo lugar en Castellón el fallo del jurado de los Premios Cerámica ASCER, que contó con el prestigioso arquitecto Jorge Silvetti como presidente del jurado y con Ricardo Carvalho, Elías Torres, Jordi Garcés, Belén Moneo, Mario Ruiz y Ramón Monfort como vocales.

En esta ocasión el arquitecto Joan Miquel Seguí Colomar fue galardonado con el premio Cerámica de Arquitectura por su proyecto “Nueva entrada a la estación intermodal” en Palma. El proyecto es un espacio de transición donde se recupera el uso de la tradición mediterránea de la celosía como filtro entre el espacio urbano y la propia estación.

El proyecto ganador en la categoría Interiorismo es “Casa frente al mar” de Xavier Martí y Lucía Ferrater en el que el jurado valora la presencia del pavimento cerámico como cauce de conexión entre los diferentes espacios. Por último, en la categoría PFC “Un buen suceso” de Manuel Bouzas Barcala de la ETSA Madrid.

Athos Bulcão (1918-2008) fue un artista brasileño que empezó a dedicarse a las artes plásticas tras abandonar la facultad de medicina.  Estudió dibujo y litografía en la Académie de La Grande Chaumière en París, convirtiéndose en el eslabón perfecto entre arte y arquitectura gracias a la manera de intervenir en los edificios y el espacio urbano.

Influenciado por Paul Klee, Fernand Léger, Miró, Portinari o Van Gogh, el artista brasileño colaboró con varios arquitectos, entre ellos Oscar Niemeyer y João Filgueiras, diseñando paneles de azulejos, tan vinculados a la tradición cerámica de su país.

Desde 1992 la Fundación Athos Bulcão se dedica a preservar y divulgar la obra del artista plástico, desarrollando diversos proyectos para promover por medio del arte, la cultura y comunicación, el desarrollo social de toda la comunidad.

El fotógrafo Joan Fontcuberta y el ceramista Antoni Cumella se han unido para realizar este fotomosaico mural situado en la plaza de Isidre Nonell en Barcelona con motivo del Tricentenario de la caída de Barcelona en 1714.

Esta obra ha sido realizada con la contribución de miles de ciudadanos que han aportado imágenes personales cuyo tema requerido era ‘momentos de libertad’. Con ellas, se formaron 4000 teselas de cerámica, distribuidas en 50 filas de 80 teselas cada una, que en conjunto forman la imagen de unos labios besándose. Decía Joan Fontcuberta que se había inspirado en una frase de Oliver Wendell Holmes »El ruido de un beso no es tan ensordecedor como el de un cañón, pero su eco es más duradero.»

El demostrador LIFE CERSUDS en Benicasim (Castellón) es un proyecto europeo para la adaptación de las ciudades al cambio climático. En él se desarrolla un sistema urbano de drenaje sostenible a partir de la reutilización de baldosas cerámicas de bajo valor comercial. La reducción de las emisiones de CO2 asociada a la fabricación de pavimentos gracias al reciclaje del material cerámico en stock, la disminución de las superficies de suelo sellado en las ciudades, la recuperación de los sistemas naturales de infiltración para evitar inundaciones y la reducción del calentamiento conocido como efecto “isla de calor”, son los objetivos concretos a los que este proyecto da respuesta proporcionando resultados cuantificados y verificables.

En este vídeo se muestra el proceso de fabricación del pavimento drenante cerámico así como su ejecución y puesta en obra en el demostrador de Benicasim.

A principios del siglo XX, los aislantes porcelánicos sustituyeron al vidrio en toda la distribución eléctrica, incluso a bajos voltajes, ya que la superioridad del material se demostró tanto en la calidad como en la resistencia del aislamiento.

En esta publicación, nos gustaría compartir un vídeo sobre cómo la compañía PINCO producía aislantes cerámicos para líneas eléctricas en 1935. ¡Esperamos que os guste!

Compartimos con vosotros esta interesante entrevista que forma parte de la exposición De Obra. Cerámica aplicada a la arquitectura, que tuvo lugar en el Museo del Diseño de Barcelona de septiembre de 2016 a enero de 2017, en la que Ramon Bosch de bosch.capdeferro Arquitectura habla del proyecto Casa Collage en Girona.

Rehabilitar implica siempre establecer una determinada relación con lo anterior, con los pasados que se acumulan en el espacio de la intervención; y también con el futuro, aquella idea imaginada de lugar hacia la que querríamos tender. Pero implica, sobre todo, una gran capacidad de trabajo con el presente. Borrar o dibujar: eliminar, limpiar, reparar, reconstruir, sustituir, incorporar, añadir…

Enfrentarse al poder de la gravedad es lo que se propuso el diseñador holandés Jólan van der Wiel, que ha manipulado este fenómeno natural explotando su propio poder: el magnetismo. Van der Wiel ha desarrollado una máquina que tiene la capacidad de cambiar el campo magnético para crear objetos y muebles. Para su proyecto Magnetism Meets Architecture, ha creado una serie de objetos de cerámica utilizando un proceso que desafía las propiedades de los materiales y procesos naturales. Sus últimos experimentos con imanes han dado como resultado fantásticos modelos arquitectónicos hechos con arcilla metálica.

Este proyecto concibe la idea de transformar una planta incineradora en desuso en un cálido lugar de descanso, infundiendo aliento de la gente. Breath marks es un proyecto participativo de Urban Society junto con el artista Sun Choi que cuenta con la colaboración de los alumnos, profesores y voluntarios de la Escuela Primaria Doosan en Doksan, Seúl. El proyecto propone cubrir la fachada con 3000 azulejos de 15×15 cm hechos a mano en los que se ha plasmado la forma de la respiración de la gente local a través del soplo de tinta líquida.
Puedes ver todo el proceso en este video.

El estudio can ran  son las autoras de la intervención plástica en el nuevo atrio de la Estación Sur y Sureste de Lisboa. Esta extensión, cuya autoría es del  Atelier Daciano da Costa, forma parte del proyecto para la expansión y remodelación de la estación original de 1932 del arquitecto Cottinelli Telmo.

El soporte de esta intervención cerámica es el conjunto de techo y columnas del nuevo Atrio. El techo a cubrir tiene unas dimensiones de 17m por 23m, una altura de 5.6m y está soportado por 8 columnas de 0.60m de diámetro. Debajo de este techo emergen las escaleras de acceso al área metropolitana.

La Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos, ASCER, organiza la décimoséptima edición de los Premios Cerámica de Arquitectura e Interiorismo. Su finalidad es destacar aquellos proyectos de arquitectura e interiorismo que hagan un mejor uso de los pavimentos y revestimientos cerámicos fabricados en España.

El jurado de esta décimo séptima edición lo componen reconocidos profesionales de la arquitectura y el diseño a nivel internacional. Preside el jurado Jorge Silvetti y le acompañan Ricardo Carvalho, Elías Torres, Jordi Garcés, Belén Moneo, Mario Ruiz y Ramón Monfort.

En la última edición de los Premios Cerámica resultaron ganadores en la categoría de arquitectura Jorge Vidal y Víctor Rahola por su proyecto Bodegas Mont-Ras ; y en la categoría Interiorismo el proyecto Tres estaciones de metro de la L9 de Barcelona de Garcés – de Seta – Bonet arquitectes.

Únete al Laboratorio de Cerámica Ambiental para la Arquitectura (ECAlab) para presenciar una presentación inmersiva y escultórica en el Museo Tate Exchange de Liverpool del 22 al 30 de septiembre. Adéntrate en cualquier momento y juega, crea y experimenta PlatFORM, una escultura multisensorial y brillante que responde al movimiento y al toque humano.

Junto a la exposición PlatFORM habrá un simposio que reunirá a arquitectos, artistas, profesionales de la industria, ingenieros, investigadores y al público para debatir acerca del pensamiento emergente y el futuro de la cerámica. Descubre más y reserva tu plaza gratuitamente aquí.

The Factory Floor es una instalación de 8,000 baldosas cerámicas hechas a mano que cubren el nuevo suelo de la Sala China en la 16ª Exposición Internacional de Arquitectura – La Biennale di Venezia comisariato por Yvonne Farrell y Shelley McNamara.

La instalación presenta el último método de producción experimental desarrollado por Granby Workshop, la fábrica de cerámica con sede en Liverpool creada por Assemble en 2015. Reinventando el proceso tradicional de fabricación de baldosas, estas baldosas se realizan combinando al azar piezas de diferentes arcillas coloreadas en un molde bajo presión extrema, proceso que hace que cada baldosa sea única y diferente al resto. Puedes ver el proceso de fabricación aquí.

Todas las imágenes y el vídeo están realizados por Granby Workshop y Assemble.

CERSAIE es el principal escaparate de las últimas tendencias en el sector cerámico y el diseño de baños a nivel internacional. La feria cerámica más importante del mundo que tendrá cita en la ciudad italiana de Bolonia los días 24-28 de septiembre, un punto de encuentro para las marcas más innovadoras procedentes de los cinco continentes.

‪La feria Bolonia ha ayudado durante décadas a dignificar el uso de la cerámica, sirviendo como inspiración en los proyectos de arquitectura, diseño e interiorismo más exigentes. De este modo, la feria de Bolonia se ha convertido en la mayor muestra de las tendencias más vanguardistas en cerámica, esmaltes, equipamiento de baño y mobiliario.

La adaptación a las pequeñas tolerancias de los materiales y un a entorno incierto en la construcción son aspectos clave para la investigación y desarrollo de una máquina móvil para la colocación de azulejos. Estos desafíos se logran mediante la integración de estrategias específicas de percepción y localización en el control robótico. La investigación está dirigida por ROB Technologies en colaboración con Gramazio Kohler Research y Singapore ETH Center.

Al forzar los límites de las tecnologías de impresión 3D existentes, Olivier van Herpt ha llegado a máquinas que producen formas más grandes y trabajan con materiales más allá de los plásticos convencionales. Fuera de la parafina e incluso de la arcilla, ha impreso colecciones de objetos que suavizan la definición precisa e indiferente del diseño industrial. Floreros aparentemente hechos a mano por artesanos individuales, cerámica elaborada con imperfecciones aleatorias y alfarería moldeada por el entorno en el que se fabricaron.

Jørgen Hansen comenzó como ceramista en 1965. Durante muchos años hizo cerámica a mano, y en cierto momento, sintió la necesidad de expresarse de otro modo. En 1994 realizó su primera Firingsculpture para un museo en Dinamarca y actualmente ha construido más de 20 por todo el mundo.

Las Firingsculptures se construyen entre 1 y 3 semanas en un proceso continuo. Están hechas de paredes de celosía de terracota concéntricas, una detrás de otra y con aberturas de diferentes geometrías. En el interior, se deja un espacio para el combustible que incendia el núcleo.

El clímax ocurre cuando la escultura, envuelta en una capa aislante, se convierte en su propio horno y la temperatura sube hasta 1000-1200ºC . En ese momento, se quita el aislante y, durante unos breves instantes, la escultura se ilumina desde el interior con una luz muy intensa, produciendo extraños efectos visuales.

«Cuando la escultura resplandece, sientes todo el periodo del proyecto en un instante, desde el primer paso sobre el lugar hasta la completa erosión de la obra. Son esculturas que hablan del tiempo y del cambio perpetuo de las cosas.»

Gladding, McBean, en Lincoln, es una de las empresas más antiguas de California. Fue pionera en la tecnología cerámica y se mantuvo a la cabeza de la industria en el oeste de Estados Unidos durante el apogeo de la terracota arquitectónica.

El libro Architectural Terra Cotta of Gladding, McBean, de Gary F. Kurutz y Mary Swisher, es una magnífica colección de fotos de este productor de terracota decorativa desde 1890 a 1930. En él se muestran más de 100 fotografías, incluyendo desde motivos neoclásicos de los primeros rascacielos de San Francisco a los ornamentos de los palacios hollywoodienses Art Deco. Algunas de estas fotografías se pueden ver en detalle en la galería contigua a este texto.

La fotógrafa Mary Swisher fue la encargada de seleccionar, imprimir y curar una colección de más de 10000 negativos, mientras que el historiador Gary F. Kurutz elaboró un entretenido texto sobre la historia de la empresa. El resultado es una publicación imprescindible para los amantes de la arquitectura, la fotografía y la arqueología industrial.

En esta plastimación para Stevanna Jackson (de la talentosa familia de músicos Jackson), la artista francesa Romane Granger utiliza arcilla cuidadosamente modelada para representar el complejo ecosistema de vida que se encuentra en el fondo del océano. En Oceans Blues, las espirales y los pliegues de arcilla cambian en sintonía con la música de Jackson a medida que las olas, las flores y los personajes humanos emergen del mar.

Compartimos con vosotros esta interesante entrevista que forma parte de la exposición De Obra. Cerámica aplicada a la arquitectura, que tuvo lugar en el Museo del Diseño de Barcelona de septiembre de 2016 a enero de 2017, en la que Toni Gironès habla del proyecto Espacio transmisor del dolmen megalítico en Seró.

Clay Station es una colaboración entre Assemble y el artista Matthew Raw encargada por Art on the Underground.

Basándose en el rico legado de cerámica del London Underground, el proyecto conlleva la producción de más de mil azulejos hechos a mano como parte de la remodelación y reacondicionamiento de una unidad comercial en la entrada de la estación Seven Sisters Underground Station que ha estado vacía durante más de un década.

Esta técnica consiste en colorear bloques de arcilla blanca lisa con manchas y mezclar diferentes combinaciones antes de que se dimensionen, laminen, moldeen, corten, sequen, cuezan y glaseen. Los azulejos resultantes formados a partir de este proceso se utilizarán para revestir el exterior del edificio y cada uno será único.

La cerámica de la Casa Vicens es uno de sus elementos más representativos. ¿Os imagináis descubrir el proceso de fabricación de los azulejos de claveles, la flor amarilla que recubre las fachadas de la casa? De la mano del maestro artesano ceramista Manel Diestre, responsable del proceso de restauración de las piezas cerámicas de la Casa Vicens, en este video descubriréis el proceso de fabricación artesanal del azulejo de claveles con la técnica de trepa original.

El proyecto europeo LIFE CERSUDS (Ceramic Sustainable Urban Drainage System), que cuenta con la financiación de la Comisión Europea a través del programa LIFE, está desarrollando un sistema urbano de drenaje sostenible (SuDS) que utiliza material cerámico reutilizado como sistema filtrante de pavimentación.

El objetivo principal del proyecto es mejorar la capacidad de adaptación de las ciudades al cambio climático y promover el uso de SuDS e infraestructura verde. Para ello se diseñará e implementará en Benicasim (Castellón) un demostrador de SuDS que integra un pavimento de adoquines cerámicos permeables. Estos adoquines están fabricados a partir de la reutilización de baldosas cerámicas de escaso valor comercial. El espacio previsto para el desarrollo del demostrador consiste en un tramo de calle de tránsito ligero y peatonal, en un entorno urbano consolidado, de aproximadamente 3000 m².

El proyecto Droneport explora la integración de una red de aeropuertos de drones que combina el futurismo dinámico de la tecnología dron con edificios de baja tecnología hechos con materiales locales y técnicas de construcción tradicionales. La red tiene como objetivo interconectar comunidades de países en desarrollo que carecen de redes viales o ferroviarias adecuadas, lo que permitiría el suministro de material médico o mercancías de forma rápida y rentable.

La construcción de un prototipo en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2016 fue posible gracias a The Norman Foster Foundation y a los investigadores del Block Research Group (ETH Zurich), con el apoyo de LafargeHolcim Foundation. Para ello se fabricó un producto específico, llamado Durabric, que consiste en un bloque de alta resistencia hecho con tierra local.

Representantes de la industria y la educación de todo el mundo se reúnen en Buffalo, Nueva York, para el taller Architectural Ceramic Assemblies Workshop (ACAW), presentado por Boston Valley Terra Cotta y la Facultad de Arquitectura y Planificación de la Universidad de Buffalo, respaldado por UB Sustainable Manufacturing and Advanced Robotic Technologies (SMART).

El objetivo del taller es introducir y considerar las propiedades de la terracota en el proceso de diseño arquitectónico y desarrollar modelos de investigación y diseño entre las industrias de fabricación y la arquitectura.

El workshop culminará en un evento de una semana de duración, con equipos que construirán modelos de sistemas a partir de sus prototipos y presentarán sus resultados a profesionales de la industria.

Para obtener más detalles, visite ACAW 2018.

Estos bloques ondulantes se fabricaron y apilaron para crear ‘WAVE / CAVE’, con el objetivo de brindar a los visitantes un momento de intimidad.

La instalación fue diseñada por SHoP architects para la exposición Interni Magazine’s Material Immaterial, que tuvo lugar en la Milan Design Week 2017.

Compuesta por 1.670 bloques extruidos de terracota sin esmaltar, la obra se alza a 10 metros de altura en su punto más alto. Cada bloque ha sido tallado individualmente, y aunque aparecen completos en el exterior, el interior de la instalación revela un intrincado patrón creado por la substracción de volumen.

Durante casi treinta años, Coverings ha sido el primer evento para la industria de baldosas cerámicas y piedra natural en América del Norte. Allí podrás encontrar todo lo relativo a este campo en un mismo salón; podrás interactuar con proveedores de todo el mundo, descubrir técnicas innovadores, nuevos productos, etc.

Coverings tendrá lugar los días 8-11 de mayo en el Georgia World Congress Center.

‘It sil heve’ son las palabras legendarias que se pronunciaron en 1985 cuando la ‘carrera de todas las carreras’ pudo celebrarse, una vez más, después de 22 años. La idea para el proyecto es una imagen, que en la distancia parece ser una fila de patinadores que se ayudan mutuamente y se protegen del viento unos a otros, una escena característica de Elfstedentocht, la mítica carrera para patinadores que pasa por 11 ciudades de Frisia. Vistas de cerca, en las piezas cerámicas se representan miles de retratos de todos los patinadores que alguna vez terminaron la carrera.

El dúo artístico Maree Blok y Bas Lugthart se acercó a Koninklijke Tichelaar Makkum para ejecutar el proyecto, que consistió en hornear las fotos en las baldosas mediante un proceso de serigrafía.

El proyecto se llevó a cabo en el puente de Canterlandse, el último puente por el que deben pasar los patinadores en la ruta de Elfsteden antes de llegar a la meta en Leeuwarden.

Bajo el lema ARTESANÍA INNOVACIÓN | REVOLUCIÓN | PROYECCIÓN el 12 de abril se celebrará la III Jonarda de Creatividad y Tendencias, organizada por el Museo del Disseny de Barcelona. Dentro de la jornada, se van a realizar diferentes talleres relacionados con la artesanía entre los cuales destacamos el taller de Diseño de estampados para azulejos: el encanto de la repetición, a cargo de Bussoga + Isabel Fernández del Moral. 

A partir del fondo de obra cerámica del Museo del Diseño, se estudiarán diversas composiciones matemáticas para diseñar estampados. Se partirá de los objetos del Museo como fuente de inspiración y del trabajo personal de los creativos para profundizar en el análisis y nuevas propuestas de la producción artesana, industrial y digital.

Compartimos con vosotros esta interesante entrevista que forma parte de la exposición De Obra. Cerámica aplicada a la arquitectura, que tuvo lugar en el Museo del Diseño de Barcelona de septiembre de 2016 a enero de 2017, en la que Vicenç Sarrablo, Director de la Cátedra Cerámica de Barcelona habla de los múltiples usos y ventajas de la cerámica.

El artista chino, Ai Weiwei, desafía nuestras primeras impresiones con su instalación Sunflower Seeds: lo que ves no es lo que ves, y lo que ves no es lo que significa. La instalación escultórica se compone de lo que parecen ser millones de cáscaras de semillas de girasol, aparentemente idénticas pero en realidad únicas. Aunque parecen realistas, cada semilla está hecha de porcelana. Y lejos de ser producidas industrialmente, cada semilla ha sido elaborada a mano por cientos artesanos.

Vertidas en el interior del vasto espacio industrial del Turbine Hall en la Tate Modern, las semillas forman un paisaje aparentemente infinito. La naturaleza preciosa del material, el esfuerzo de producción y el contenido narrativo y personal crean un poderoso comentario sobre la condición humana.

El Departamento de Arquitectura de la Universidad de Hong Kong ha colaborado con el Grupo Sino para crear el Ceramic Constellation Pavilion.

Esta estructura busca abrir nuevos horizontes en la construcción mediante la creación de un pabellón de 3,8 metros de alto hecho completamente de ladrillos de terracota impresos en 3D, prescindiendo de las técnicas tradicionales de trabado de ladrillos. La estructura, por tanto, se estabiliza gracias a los diferentes formatos de los ladrillos y a su posicionamiento.

La estructura total está compuesta por 2000 ladrillos de terracota impresos en 3D para los que se emplearon 700 kg de arcilla. Cada pieza requiere entre 2 y 3 minutos para su impresión. Una vez impresos, los ladrillos se someten a un proceso de cocción, siendo horneados durante un período prolongado de tiempo a 1025 grados. Este proceso hace que el pabellón sea uno de los primeros de este tipo.

Museum & Mosaic Park representa el paradigma del parque urbano contemporáneo, que no es ni un fragmento del paisaje, ni una pieza ajardinada de la ciudad, sino la mezcla de ambos. El proyecto tiene ese carácter híbrido que combina la arquitectura con el paisaje y la naturaleza con el artificio.

El uso de las piezas cerámicas de diferentes colores para la materialización del pavimento, los bancos y las fachadas del museo, evoca la tradición del mosaico que se extendió en Europa y que ha evolucionado a lo largo de la historia hasta nuestros días, aportando soluciones como la técnica del trencadís utilizada por los arquitectos modernistas catalanes, entre otros.

La geometría del parque está inspirada en el vidriado de la porcelana china desarrollada durante la dinastía Song en las piezas de cerámica Ru Ware y Ge Ware. El Mosaic Park y el Museo recuerdan a los ciudadanos que la región de Jinzhou fue en su día una área de producción de cerámica importante, tradición que se ha ido perdiendo a lo largo de los siglos.

FIELD es un proyecto del escultor Antony Gormley que utiliza la forma humana para explorar la relación del hombre con el mundo a través de la tierra. »Desde el principio, intenté hacer algo lo más directo posible con la arcilla: la tierra. Quería trabajar con personas y hacer un trabajo sobre nuestro futuro colectivo y nuestra responsabilidad por ello. Quería que el arte nos mirara a nosotros, a sus creadores (y espectadores) como si fuéramos responsables, responsables del mundo en el que estamos (FIELD) y en el que estábamos. Lo hice 5 veces en diferentes partes del mundo con la ayuda de sus habitantes.

La instalación más reciente es de Guangzhou, China, y se exhibió en Guangzhou, Beijing, Shanghai y Chongqing en 2003. Está hecha con 125 toneladas de arcilla activada por el fuego, sensibilizada por el tacto y hecha consciente al recibir ojos.

Los 210,000 sustitutos del cuerpo humano ocupan por completo el espacio en el que están instalados, tomando la forma del edificio y excluyéndonos, pero permitiendo el acceso visual. Siempre se ve desde un solo umbral. Las dimensiones del área de visualización son equivalentes a no menos de un sexto del área total de la pieza. Esta área de visualización está completamente vacía. El espectador media entre las áreas ocupadas y desocupadas del edificio elegido. Me gusta la idea de que el área física ocupada se ponga al servicio del espacio imaginativo del testigo.» Entrevista con el escultor Antony Gormley sobre FIELD.

General Electric hizo un corto industrial en los años 20 que muestra cómo la compañía producía aislantes de porcelana para las líneas eléctricas.

Los aislantes de porcelana de esa época estaban hechos de arcilla china, arcilla esférica, sílex y feldespato. En el proceso en seco, los ingredientes se pulverizaban y se tamizaban hasta obtener un polvo fino y luego se prensaban en moldes. Una vez moldeados, se recortaban a mano. Las piezas se esmaltaban con spray mientras un torno vertical las hacía girar.

Compartimos con vosotros esta version del corto, ligeramente editado y acompañado de música de ragtime. Esperamos que os guste!

«El proyecto tiene como objeto las fábricas de cerámica abandonadas de Onda (Castellón). Es una línea de investigación relacionada con el patrimonio industrial abandonado y la obsolescencia de estos edificios. Su huella en la población es poderosa, hubo un tiempo en que toda la ciudad vivió al ritmo de los turnos de las fábricas y los tiempos de cocción de los hornos. Estas imágenes construyen un documento donde todos los detalles son legibles y, desafortunadamente, esto es lo único que va a quedar de ellos en pocos años si no se hace nada, ya que el nivel de degradación se incrementa año tras año.»

Milena Villalba

La Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid acoge los días 27  y 28 de febrero el VII Congreso Internacional de Cerámica y Arquitectura bajo el lema ‘Cerámica y Suelo’ (Ceramic and Soil), un título que debe considerarse como una sugerencia, pero que no excluye propuestas de otros campos relacionados con la cerámica no estructural. El evento se enmarca en la Red de Cátedras Cerámicas promovidas por la patronal de la industria española ASCER.

Por un lado, la ambición de este congreso es situar la cerámica en un contexto arquitectónico desde una perspectiva histórico-artística; y por otro, su intención es promulgar el trabajo de los arquitectos contemporáneos que han utilizado la cerámica en sus obras.

Naturaleza y tecnología se unen para crear una novedosa combinación en Villa Nurbs, una vivienda poco convencional diseñada por CLOUD9 en colaboración con el ceramista Toni Cumella y el artista Frederic Amat, que ha intervenido en cada una de las piezas cerámicas mediante la aplicación de esmaltes.

El edificio se encuentra recubierto por una piel compuesta por una serie de piezas cerámicas diseñadas de modo que, consideradas en conjunto, funcionan como si se tratara de un muro vegetal. Según la orientación, esta piel tiene la capacidad de aislar al edificio de unas condiciones medioambientales desfavorables y de protegerlo frente al sol, lluvia o fuertes vientos. Al mismo tiempo, es permeable a la brisa. Un sistema de cables tensados en forma de red que se apoya sobre la estructura metálica de la fachada sirve de soporte a estas piezas cerámicas.

La restauración de los icónicos mosaicos de Paolozzi en la estación de metro de Tottenham Court Road ha sido finalizada recientemente.

Paolozzi fue uno de los líderes del movimiento Pop Art y sus mosaicos, de 1986, son ampliamente considerados como uno de los más espectaculares ejemplos de arte público de la posguerra. Los diseños, con 950 m2 cuadrados de superficie, contienen referencias a la cultura y a la economía londinenses.

A pesar de las grandes obras de ampliación llevadas a cabo en la estación, alrededor del 95% de los mosaicos han sido conservados. En los lugares donde se ha necesitado nuevas piezas, éstas han sido creadas mediante el mismo proceso que las originales copiando sus tonalidades exactas. Las porciones que no han podido ser recolocadas se han desplazado al reconocido Instituto de Arte de Edimburgo.

La Feria Internacional de Cerámica para Arquitectura, Equipamiento de Baño y Cocina CEVISAMA, se ha consolidado como la principal cita de la industria cerámica española. Su última edición, bajo el lema CREATE YOUR OWN REALITY, se celebró en Feria Valencia del 5 al 9 de febrero de 2018 y mostró al público las ofertas e innovaciones de los diversos sectores de la construcción que orbitan alrededor del mundo cerámico. Un encuentro imprescindible para distribuidores, promotores, arquitectos y diseñadores a nivel internacional.

El Foro de Arquitectura y Diseño de Cevisama Lab, el laboratorio de ideas de Cevisama, contará este año con auténticos maestros de la arquitectura, entre ellos, los premios Pritzker Rafael Moneo y el portugués Eduardo Souto de Moura. El Foro se desarrollará los días 5 y 6 de febrero bajo el lema “Arquitectura Material” en el Salón de Actos del Foro Norte de Feria Valencia en el marco de la 36ª edición de Cevisama.

El Congreso Mundial de la Calidad del Azulejo y del Pavimento Cerámico QUALICER, certamen que se celebra bianualmente en Castellón, ya tiene fecha para su próxima edición, los días 12 y 13 de febrero de 2018.  Este gran evento contará con líderes de la industria internacional del azulejo para debatir sobre las condiciones estratégicas y de política comercial e industrial necesarias para invertir así como las principales innovaciones tecnológicas y de negocio en el futuro del sector.

CCCloud (Casalgrande Ceramic Cloud) fue la primera obra de arquitectura de Kengo Kuma en Italia y fue construida en septiembre de 2010. El monumento, ubicado en el medio de una rotonda frente a la sede de Casalgrande Padana, es el resultado conjunto del equipo de Kengo Kuma, la Universidad representada por Alfonso Acocella y Luigi Alini, y Casalgrande Padana.

La estructura tiene 12 metros de altura y un máximo de 1,7 metros de ancho en su parte central. Está compuesta por nueve niveles de baldosas de gres porcelánico de 60 x 120 centímetros que se apilan y sostienen mediante finas barras roscadas. Tradicionalmente utilizadas como revestimiento, las baldosas cerámicas se usan en este monumento por primera vez como un componente estructural.

Aquí compartimos con vosotros esta interesante entrevista en la que Kengo Kuma habla de su Nube Cerámica.

CERÁMICA, una nueva y revolucionaria exposición patrocinada por ASCER en colaboración con RIBA North, explora el futuro uso de la cerámica y la tecnología en la arquitectura. Del 28 de noviembre de 2017 al 10 de febrero de 2018, una serie de instalaciones a escala real por parte de ECAlab (Environmental Ceramics for Architecture Laboratory) darán vida al nuevo centro del RIBA en el frente marítimo de Liverpool.

‪La muestra busca destacar cómo las técnicas cerámicas tradicionales y los procesos de ingeniería digital pueden usarse juntos para producir elementos arquitectónicos más significativos y sostenibles.

Uno de los grandes atractivos de CERÁMICA es el simposio sobre arquitectura y cerámica que se celebrará el 8 de diciembre de 2017. Bajo el título Moulding Futures: Architectural Ceramics Symposium, tendrá como ponentes a Martin Bechthold (director de la GSD de Harvard), Eric Parry o Maximiliano Arrocet (Amanda Levete Architects) entre otros.

La cuenta de Instagram (Parisian Floors) del fotógrafo alemán Sebastian Erras muestra una brillante colección de suelos de distintas partes del mundo. Los protagonistas de estas imágenes son generalmente intrincados mosaicos y coloridas baldosas hidráulicas con mucha historia detrás. En todas ellas sus zapatos asoman para dar sentido de escala y recordarnos que a veces también está permitido agachar la mirada.

El pasado 24 de noviembre de 2017 tuvo lugar en Castellón el fallo del jurado de los Premios Cerámica ASCER, que contó con el prestigioso arquitecto Iñaki Ábalos como presidente del jurado y con Ángela García de Paredes, Víctor Navarro, Bak Gordon, Moisés Puente, Martín Azúa y Ramón Monfort como vocales.

Los arquitectos Víctor Rahola y Jorge Vidal fueron galardonados con el premio Cerámica de Arquitectura por su proyecto Bodega Mont-Ras en Girona. La Bodega Mont-Ras es un espacio diseñado a partir de la esencia del vino, la tierra y de la uva. Es una plataforma enterrada con cuatro naves y una cubierta jardín, en la que se han tenido muy presentes las condiciones específicas requeridas para la producción y la conservación del vino sin olvidar su integración en el paisaje. El jurado destaca lo adecuado de la utilización del material al carácter industrial y a la vez rústico del programa y su adaptación a las diferentes geometrías utilizadas.

El proyecto ganador en la categoría Interiorismo es Tres estaciones de metro de la L9 de Barcelona de Garcés-de Seta-Bonet Arquitectes y en la categoría PFC Un jardín de paisajes: recuperación del entorno de la Muralla Zirí en el Albaicín de Rafael López-Toribio Moreno de la ETSA Granada.

Con la instalación Blood Swept Lands and Seas of Red en la Torre de Londres se conmemoró los cien años del primer día de la participación de Gran Bretaña en la Primera Guerra Mundial. Creada por los artistas Paul Cummins y Tom Piper, 888.246 amapolas cerámicas cubrieron progresivamente el foso de la Torre entre julio y noviembre de 2014. Cada flor representaba una baja militar británica durante la guerra.

El manto de amapolas rodeó el emblemático monumento, creando no sólo un intervención espectacular de gran escala sino también un lugar para la reflexión personal.

Los pétalos cerámicos se fabricaron mediante técnicas utilizadas por ceramistas durante la Primera Guerra Mundial (Making the poppies). Tras la instalación, todas las amapolas fueron vendidas, recaudando millones de libras que fueron donadas a organizaciones benéficas.

La temperatura durante el día no parece dejar de aumentar en los veranos indios, la instalación de grandes sistemas de aire acondicionado no es económica y la energía es ineficiente para la mayoría de la población. Trabajar en condiciones tan calurosas afecta la salud de los empleados, un problema que también se presentó en la fábrica de Deki Electronics en Uttar Pradesh.

El calor liberado por el grupo electrógeno en la entrada de la fábrica redujo la productividad al mínimo. Este hecho hacía que la envolvente del edificio estuviera más caliente, lo que reducía su eficiencia y aumentaba la carga de aire acondicionado del edificio. Se requería una alternativa sostenible y económica, y el equipo de Ant Studio utilizó el antiguo método de enfriamiento evaporativo para proporcionar una solución eficaz y de baja energía. Esta técnica, que se remonta al período egipcio, enfría los alrededores con la ayuda del agua y los materiales locales.

El empuje del aire caliente facilita la refrigeración cuando se utiliza un mecanismo de ventilador. El enfriamiento evaporativo necesita fuerza aérea por lo que este diseño usa la velocidad del aire del grupo electrógeno para su beneficio.

El diseño está basado en la estructura de una colmena, utilizando conos de tierra para crear un prototipo estético. El diseño y el tamaño de los componentes cónicos se personalizaron mediante análisis computacionales avanzados y técnicas modernas de calibración. La geometría y la forma apilada proporcionaron una mayor área de superficie para enfriar y, al mismo tiempo, garantizar que el aire no rebote en el grupo electrógeno. Esto se logró alineando el apilamiento de la cerámica con el flujo de aire.

La Asociación Española de Fabricantes de Azulejos y Pavimentos Cerámicos, ASCER, organiza la décimosexta edición de los Premios Cerámica de Arquitectura e Interiorismo. Su finalidad es destacar aquellos proyectos de arquitectura e interiorismo que hagan un mejor uso de los pavimentos y revestimientos cerámicos fabricados en España.

El jurado de esta décimo sexta edición lo componen reconocidos profesionales de la arquitectura y el diseño a nivel internacional. Preside el jurado Iñaki Ábalos y le acompañan Ángela García de Paredes, Víctor Navarro, Bak Gordon, Moisés Puente, Martín Azúa y Ramón Monfort. El fallo tendrá lugar el 24 de noviembre.

En la última edición de los Premios Cerámica resultaron ganadores en la categoría de arquitectura el estudio Paredes Pedrosa por su proyecto Dos viviendas en Oropesa (Toledo); y en la categoría Interiorismo el proyecto TABA Espazioa de Ibón Salaberria. Accede al vídeo resumen de la XV edición.

CERSAIE es el principal escaparate de las últimas tendencias en el sector cerámico y el diseño de baños a nivel internacional. La feria cerámica más importante del mundo que tiene cita en la ciudad italiana de Bolonia en septiembre, un punto de encuentro para las marcas más innovadoras procedentes de los cinco continentes.

‪La feria Bolonia ha ayudado durante décadas a dignificar el uso de la cerámica, sirviendo como inspiración en los proyectos de arquitectura, diseño e interiorismo más exigentes. De este modo, la feria de Bolonia se ha convertido en la mayor muestra de las tendencias más vanguardistas en cerámica, esmaltes, equipamiento de baño y mobiliario.

Compartimos con vosotros esta interesante entrevista que forma parte de la exposición De Obra. Cerámica aplicada a la arquitectura, que tuvo lugar en el Museo del Diseño de Barcelona de septiembre de 2016 a enero de 2017, en la que Eugeni Bach habla del proyecto Viviendas C/Casp 74 en Barcelona.

La pasada Trienal de Milán 2017 presentó la exposición Gio Ponti: L’infinito Blu, dedicada a los diseños de las baldosas cerámicas utilizadas en el Hotel Parco dei Principi de Sorrento. El mundo de Ponti, padre del diseño moderno italiano, explora las superficies arquitectónicas, integrando el trabajo artesanal en la producción de máquinas para comunicar a través de su textura y calidez.

La exposición, acompañada de las notas, dibujos y fotografías del proceso, estaba formada por 33 modelos 20×20, 27  de ellos usados en el hotel. Además, contaba con 6 patrones que nunca llegaron a producirse, uno de ellos inédito y descubierto en los archivos del fabricante original Ceramica D’Agostino. Finalmente todos ellos han sido reproducidos para la ocasión gracias a la colaboración entre empresas como Ceramica Francesco De Maio.

Acompañando este artículo, os presentamos una sugerente animación producida por LIXIL Group (Tokio) en 2014 para la exposición «Giving Warmth to the Building Skin. The World of Gio Ponti, Father of Modern Italian Design».

El 24 de noviembre de 2016 tuvo lugar, en Castellón, el fallo del jurado de los Premios Cerámica ASCER que contó con el prestigioso arquitecto Gonçalo Byrne como presidente del jurado y con Elisa Valero, Iñaqui Carnicero, José M. Milá, Nuno Brandão Costa, Ramón Monfort y Ricardo Sánchez Lampreave como vocales.

El estudio Paredes Pedrosa fue galardonado con el Premio Cerámica por su proyecto Dos Viviendas en Oropesa en la categoría de arquitectura. El proyecto aborda un minucioso trabajo de restauración y reutilización de unas ruinas atravesadas por muros y arcos pertenecientes a una antigua conexión entre el castillo y la iglesia del pueblo. Si bien el uso de la cerámica tiene un carácter contenido, su cuidada disposición y elección de acabado incorporan una atemporalidad y calidez claves en la construcción del espacio.

Paredes Pedrosa ganó en 2004 la tercera edición de estos premios por el proyecto Palacio de Congresos de Peñíscola y en el 2011 obtuvo una mención de honor con la Universidad Popular Infantil.

El proyecto ganador en la categoría Interiorismo es TABA espazioa de Ibon Salaberria y en la categoría PFC In-Situ: Tools and Technology in Traditional Architecture de M Wesam Al Asali de la Universidad de Cambridge.

La Feria Internacional de Cerámica para Arquitectura, Equipamiento de Baño y Cocina CEVISAMA, se ha consolidado como la principal cita de la industria cerámica española. Su edición de 2017, bajo el lema PERFECT FUTURE, se celebró en Feria Valencia del 20 al 24 de febrero y mostró al público las ofertas e innovaciones de los diversos sectores de la construcción que orbitan alrededor del mundo cerámico. Un encuentro imprescindible para distribuidores, promotores, arquitectos y diseñadores a nivel internacional.